Любомир Пипков - Симфония № 3, В. Казанджиев. Симфония за пиано, саксофон и оркестър (1976, Balkanton BCA 505)

Любомир Пипков - Symphony No. 3

A1 1. Allegro Moderato
A2 2. Ritornello. I. Tempo Di Marcia – Andante – Ritornello; II. Tempo Di Marcia – Finale. Allegro. Presto

Sofia Philharmonic Orchestra
дирижер Константин Илиев

Васил Казанджиев - Концерт для фортепиано, саксофона и оркестра

B1 Allegro Ma Non Troppo
B2 Andante Espressivo
B3 Allegro Con Moto

Piano – Олга Шевкенова
Saxophone – Константин Чилиев
Sofia Philharmonic Orchestra
дирижер Васил Казанджиев

Композиции Любомира Пипкова тесно связаны с проблемами современности. Они демонстрируют острое чувство гражданского долга и национальной принадлежности, составляющее часть болгарской национальной культуры, прорастающей из нее и немыслимой без нее, так как и она немыслима без его работ.
Третья Симфония была написана в период с января по апрель 1965 года. Это продолжение и применение в симфоническом жанре идей и новых направлений стиля, характерных для сочинений Пипкова после его "Оратории нашего времени “ и оперы ”Антигона 43". Главной особенностью этого обогащенного стиля является его активная выразительность, реализованная новой трактовкой элементов музыкальной формы-политональности в ее гармонии, неравномерности метрической и ритмической пульсации, свободы полифонического рисунка, новых тембров в оркестровке и максимальных скоростей в темпе. Все это, в свою очередь, приводит к предложениям несравнимо большего масштаба.
В состав оркестра входят ударные инструменты, два фортепиано и труба.
Пять разделов симфонии сгруппированы в две части.
Начальное Allegro moderato проходит
в рамках очень свободного варианта classical allegro типа сонаты.
Структурные элементы партии представлены в пределах первых тактов в пульсации второго рояля, во внутренних струнных группах и в первом рояле. Тогда как основная тема первой скрипки, в сочетании с первым фортепиано. Двухмерный мотив, сыгранный первым фортепиано, играет важную роль в разработке композиции, появляясь в два раза ее первоначального размера и в различной оркестровке. Вторая идея также представлена первыми скрипками. Репризе предшествует ля минорный эпизод  у всех струнных, который приводит к репризе главной темы. Вторая часть содержит оставшиеся четыре части симфонии.
Ritornelto I использует небольшую модификацию основной темы первой части, которая представлена сольной трубой ми минор, или в битональности первым фортепиано и ксилофоном, или трубой и ксилофоном. Andante, является лирическим и элегическим по характеру и выполняет функцию медленного раздела в цикле. Ritornelto II не является идентичным повторением первого, но отличается от него в ритме и в более богатой оркестровке. Финальное Allegro -  это очень напряженный и стремительный, четырехмерный эпизод в 1/8, ведущий к короткой и бурной Coda Presto.

Васил Казанджиев - явление в болгарской музыке с необычной многогранностью его музыкального таланта. Очень сильно выраженная воля к твердому и звуковому строению - это характерная для всех произведений композитора закономерность, свидетельствующая о многогранном процессе созревания. Эта особенность вызывает уважение, когда мы соприкасаемся с его музыкой.

Концерт для фортепиано, саксофона и оркестра сочинялись в течение относительно длительного периода времени, который охватывает часть студенческих лет композитора. Поэтому не так уж сложно обнаружить в нем определенную эволюцию идей и эстетики.
Первая часть в форме сонаты следует знакомыми классическими принципами. Со стороны оркестра происходит неспокойное вступление, акцентированное краткими перерывами от духовых инструментов. Первая тема занята фортепиано.
Чередуется множеством пауз, прыжков и резких акцентов на слабых ударах, она дополняется сольным саксофоном, который переплетается в своем развитии и определяет его виртуозный характер. Вторая тема приносит временное спокойствие и покой. Принятая автором трактовка использует все структурные элементы темы и всех переходов, подвергая их большому разнообразию изменений и сочетаний ритма, тембра и мелодии. Все более сложная полиритмия и полифония приводит к усилению напряженности и является подготовительной к важнейшему элементу этой части - большой фуге в конце. Очень краткое повторение второй темы вновь поднимает настроение спокойствия и умиротворения.
Часть вторая в большой трехчастной форме. Первая часть - хорал в сольном саксофоне, очень спокойный и созерцательный. Вторая - каденция сольного фортепиано, ведущая к репризе хорала в тутти. Краткий переход служит ссылкой на третью часть. Это серия фуг, основанная на контрастных темах. Третья часть завершается одновременным представлением четырех тем, рассматриваемых в различных фугах. Это одновременно и завершение всей композиции, кульминация в проработке и усложнение ее замысла.

Иван Бакалов
(перевод С.Минаков)

Современная симфоническая музыка Югославии (1976)(Мелодия С10 07989-90)

1 сторона

Витомир Трифунович (р. 1916)
Antinomia — 5.25
оркестр Словенской Филармонии, дирижер Оскар Данон

Примож Рамовш (р. 1921)
Траурная Муэыка (Musique Funebre) — 14.55
оркестр Словенской Филармонии, дирижер Антон Нанут

2 сторона

Дубравко Детони (р. 1937)
Лики и Плошади — 9.25
Симфонический Оркестр Загребского Радия, дирижер Йосеф Даниел

Александр Обрадович (р. 1927)
Факелы — 8.57
Оркестр Белградской Филармонии, дирижер Живоин Здравкович

Совместное производство фирм «МЕЛОДИЯ» и «ЮГОТОН»

В творчестве композиторов Югославии симфоническая музыка получила широкое развитие лишь в XX веке. Однако известно, что еще в XVIII столетии музыкант-любитель Лука Соркочевич из Хор­ватии сочинил для собственного небольшого оркестра цикл симфоний. В XIX веке хорватский композитор Ватрослав Лисински создал пер­вую национальную оперу южных славян «Любовь и злоба», а также несколько оркестровых произведений, среди которых выделяется идиллия «Вечер».
В начале XX. века, в период формирования современной музы­кальной культуры народов Югославии, композиторы все больше овла­девают симфоническими жанрами. С этого времени в югославской музыке появляется целый ряд мастеров-симфонистов. Среди них Матия Бравничар, Луциан Мария Скерьянц, Блаж Арнич, Славко Остерец (Словения); Благое Берса, Фраи Лотка, Борис Папандопуло, Мило Ципра, Антун Добрович, Крсто Одак, Степан Шулек, Йосип Штоль- цер-Славенский (Хорватия); Миленко Паунович, Любица Марич, Ми­лан Ристич, Михайло Вукдрагович, Станойло Раичич (Сербия). Эти композиторы заложили основы югославской симфонической школы, нашедшей свое продолжение и развитие в творчестве новых поколе­ний музыкантов.
Современная симфоническая музыка Югославии представлена на этой пластинке сочинениями четырех композиторов.
Витомир Трифунович родился в 1916 году в Сербии, учился у Йосипа Штольцера-Славенского. Композитор использует в своих сочине­ниях богатую гамму интонационно-выразительных средств, экспери­ментирует в области формы и инструментовки. В симфоническом произведении «Antinomia» (1972), так же как в более поздних «Ассо­циациях» и темпераментном Скрипичном концерте, Трифунович, по словам одного критика, «смело и уверенно открывает новые звуковые пространства».
Musique funebre написана выдающимся словенским композитором Приможем Рамовшем в 1955 году в связи с гибелью матери и посвя­щена ее памяти. Этот цикл состоит из пяти разнохарактерных частей, связанных единством содержания и до некоторой степени тематизма. Musique funebre неоднократно с успехом исполнялась на родине Рамовша и за рубежом.
Хорватский композитор Дубравко Детони — один из самых инте­ресных представителей современной музыки Югославии. Он учился у С. Шулека в Загребе, у В. Лютославского и Г. Бацевич в Варшаве, у К. Штокхаузена и Д. Лигети в Дармштадте. Детони выступает со своим камерным ансамблем, который называется «Ацезантез». Сим­фоническая пьеса «Лики и площади» была впервые исполнена в 1968 году в Граце (Австрия).
Александр Обрадович — уроженец Сербии. Музыкальное образо­вание получил в Белграде, Лондоне и Нью-Йорке. Четвертую симфо­нию композитор написал в 1972 году. Она состоит из двух частей, имеющих символические названия: «Факелы» и «Отклики». Первая часть построена в классической сонатной форме: энергичной главной теме противопоставлена побочная, близкая по характеру печальной народной песне.

Борис Чайковский - Квинтет для ф-но, двух скрипок, альта и виолончели ля минор (1976)(Мелодия С10 07567-8)

Квинтет для фортепиано, двух скрипок, альта и виолончели ля минор 

I сторона

1. Moderato

2. Allegro

II сторона

3. Allegro

4. Finale. Adagio

Борис Чайковский фортепиано 

Квартет имени Бородина

Звукорежиссер В. Скобло. Редактор И. Чумакова

Своеобразный и глубокий художник, Борис Александрович Чайковский (р. 1925) привлек к себе внимание люби­телей музыки на рубеже 40-х — 50-х го­дов. Уже в первых значительных сочи­нениях (Симфониетта для струнного ор­кестра, Трио для фортепиано, скрипки и виолончели и др.) ярко проявилась са­мобытность его творческого дара, на­циональный русский склад его музыки.
Ученик Д. Д. Шостаковича, В. Я. Ше­балина и Н. Я. Мясковского, Борис Чай­ковский работает преимущественно в сфере крупных инструментальных форм. Им написаны три симфонии (Вто­рая отмечена Государственной премией СССР 1969 года), четыре концерта, Сим­фонические вариации для оркестра, пять
струнных квартетов, два трио, форте­пианный квинтет, сонаты для различных инструментов, Партита для виолончели и камерного ансамбля, разнообразные оркестровые сочинения «средних» жан­ров (увертюры, Фантазия на русские те­мы, Славянская рапсодия, Каприччио на английские темы) и др.
Инструментальные сочинения Бориса Чайковского весьма определенно делят­ся на две большие группы: симфоничес­кие и камерные. Его симфонии и кон­церты отличаются широтой и многооб­разием жизненного содержания, разма­хом и насыщенностью развития, масш­табностью формы. Многим камерным ансамблям композитора свойственны редкие даже для этого жанра оточен­ность и изящество письма, тонкость во­площения сокровенных мыслей и на­строений.
Квинтет для фортепиано, двух скри­пок, альта и виолончели занимает здесь особое место. Ему присуща своеобраз­ная монументальность, развернутость формы и подлинная симфоничность раз­вития музыкально-психологической дра­мы. Характерно и переходное, рубеж­ное положение квинтета в творческой эволюции композитора. Год создания Квинтета (1962) как бы завершил деся­тилетний период работы Б. А. Чайков­ского почти исключительно в камерных формах: фортепианное трио (1953), квар­тет (1954), струнное трио (1955), сонаты для виолончели и фортепиано (1957), для скрипки и фортепиано (1959), Сюита для виолончели соло (1960), Второй струн­ный квартет (1961). Вслед за Квинтетом
появляется ряд важнейших симфони­ческих партитур: Концерт для виолон­чели с оркестром (1964), Вторая симфо­ния (1967), скрипичный (1969) и форте­пианный (1971) концерты, наконец, «Те­ма и восемь вариаций» (1973).
Драматургия крупных инструменталь­ных форм Б. А. Чайковского всегда не­обычна: художник ставит перед собой каждый раз новые творческие пробле­мы и избегает привычных, проторенных путей. Его концерты, сонаты, квартеты, симфонии, трио отличаются друг от дру­га и по числу частей, и по принципам их сопоставления, и, конечно, по характеру образов, по содержанию. Своеобразие композиции четырехчастного цикла в Квинтете определяется особым чередо­ванием темпов: первая часть и финал сочинения — медленные, две средние части — быстрые. Неспешно, длительно, широко развертывающаяся первая часть Квинтета выполняет функцию «завязки», готовящей активно-действенное начало второй части. Здесь в драматичных диа­логах, в сопоставлениях и соединенном звучании инструментальных голосов с рельефностью театральной пьесы или реалистического кинофильма сменяются различные «эпизоды» драмы. Третья часть в характерном для Б. А. Чайков­ского жанре «скерцо-токкаты» еще бо­лее усиливает конфликтную напряжен­ность повествования. Трагедийный инто­национно-психологический колорит по­степенно высветляется лишь к концу последней, очень медленной, философ­ски углубленной части Квинтета, звуча­щей спокойно и печально.
Квинтет Бориса Чайковского впервые прозвучал 26 декабря 1962 года в Ленин­граде в исполнении автора и Государ­ственного квартета им. Бородина. Московская премьера сочинения состоялась 6 января 1963 года.

М. Якубов

Андрей Баланчивадзе - Двенадцать романтических пьес (1976)(Мелодия С10 07217 002)

1. Здравствуй
2. Наша беседа
3. Пробуждение
4. Надежды
5. Признание
6. Блаженный вечер
7. Восторг
8. Раздумье
9. Отрешение
10. Просветление
11. Прощай
12. Наш путь

Народный артист Союза ССР, лауреат Государственных и Республи­канской премий Андрей Мелитонович Баланчивадзе родился в 1906 году в семье композитора Мелитона Баланчивадзе. Окончил в 1927 го­ду Тбилисскую консерваторию по классам фортепиано (профессор И. Айсберг) и композиции (профессор М. Ипполитов-Иванов), а в 1931 году Ленинградскую консерваторию по классу композиции у про­фессора А. Житомирского, там же занимался по фортепиано у про­фессора М. Юдиной. Работает в различных областях грузинской му­зыкальной культуры. С 1935 года Баланчивадзе преподаватель, а с 1942 года — профессор Тбилисской консерватории. Среди его учеников — композиторы Р. Лагидзе, А. Шаверзашвили, А. Чимакадзе, Б. Квернадзе, Ш. Милорава, М. Давиташвили и др.
Среди сочинений А. Баланчивадзе — три оперы: «Арсен» (неокончен­ная), «Мзия» (1950 г.), «Золотая свадьба» (1970 г.); балеты: «Сердце гор» (1936 г.), «Страницы жизни» (I960 г.), поставленный в 1961 году в Большом театре СССР, «Мцыри» (1964 г.); две симфонии, четыре фор­тепианных концерта, ряд симфонических картин, фортепианные пьесы («Баллада», цикл «Романтические пьесы») и т. д. А. Баланчивадзе при­надлежит также музыка к спектаклям и кинофильмам («Георгий Саакадзе», «Давид Гурамишвили», «Потерянный рай», «Неуловимый Ян» и др.).
А. Баланчивадзе основоположник симфонического (наряду с Ш. Мшвелидзе) и балетного жанров в Грузии; он внес большой вклад в развитие грузинской фортепианной музыки.

Г. Торадзе

Музыка Андрея Баланчивадзе принадлежит к тем явлениям духовной жизни нашего народа, общение с которыми приносит радость и эсте­тическое удовлетворение. Его творчество отмечено исключительным чувством пластики, изяществом и совершенством форм. Ясность изло­жения и логичность развития образов, живость музыкального мате­риала, идущего от естественности переживания и своеобразия восприя­тия мира, — характерные черты творческого стиля Баланчивадзе. Музыка А. Баланчивадзе рассказывает о нашей современности, жизни и труде, природе и людях, поэзии нашего быта. И главное в ней — стремление композитора показать пути становления современного че­ловека, его героические порывы к свершениям, преодоление жизненных препятствий. Лучшие творения композитора вновь и вновь воз­вращают нас к этим проблемам, в разных аспектах освещая их. Ста­новление воли, путь к победе через страдания и борьбу, тема сурового мужества пронизывает обе его симфонии, балеты и ряд фортепианных произведений. Не случайно, что Великая Отечественная война нашла широкий отклик в творчестве Баланчивадзе. Ее атмосфера ощущается в Первой симфонии, во Втором фортепианном концерте, балете «Стра­ницы жизни».
Но особую привлекательность творчеству композитора придает то, что героика в его произведениях озарена светлой лирикой мечты, той выс­шей человечности, которая и олицетворяет подлинно прекрасное. В его музыке преобладают светлые тона, гармоническое мироощущение предопределяет эстетическое кредо композитора.

Г.Орджоникидзе

Юрий Левитин - Квартеты № 9 и 10 (квартет им. Глинки)(1976)(Мелодия С10 07307-8)

I сторона 

Квартет № 9 для двух скрипок, альта и виолончели ля минор, соч. 66

1.Сонатина. Allegro non troppo

2.Речитатив и фуга. Adagio. Росо rubato. Andante

3.Бурлеска. Allegro

II сторона 

Квартет № 10 для двух скрипок, альта и виолончели си минор, соч. 73

1.Largo. Allegretto commodo. Largo

2.Presto

3.Andante

4.Allegro non troppo

Квартет имени Глинки:

Александр Аренков, Сергей Пищугин, Михаил Геллер, Дмитрий Ферштман

Звукорежиссер И. Вепринцев. Редактор И. Чумакова

Творчество выдающегося советского композитора Юрия Абрамо­вича Левитина отличается масштабностью, разнообразием жанров, умением подчинить безупречное мастерство любой художественной задаче. Ю. Левитин великолепно знает, как распределить элементы музыкальной ткани, чтобы они прозвучали самым выигрышным обра­зом. В сочинении он рационален, дисциплинирован, предельно огра­ничивает себя в выборе средств выражения, стараясь минимуму нот придать максимум содержания. Композитор неустанен в поисках обновления гармонии, полифонии, тембров, инструментальной фактуры, в расширении рамок форм классического сонатного цикла.
Обладая огромной эрудицией, Ю. Левитин прекрасно понимает и трезво оценивает все новейшие веяния в музыкальном искусстве. Ему свойственны живой интерес к работе других композиторов, сочувст­венное отношение к опытам молодежи, строгая критическая провер­ка собственной композиторской работы.
Среди многочисленных произведений Ю. Левитина значительное место принадлежит жанру струнного квартета одиннадцать квар­тетов композитора — это одиннадцать удивительно разнообразных по настроению поэм: от проникновенно интимных излияний до глубоко философских обобщений.
Девятый и Десятый квартеты выделяются сочетанием классической формы цикла с яркой индивидуальностью мелодического и гармони­ческого языка. В рамках традиционных структур композитор насы­щает музыку множеством неожиданных поворотов, требующих не­ослабного внимания слушателя. Эти изобилующие красотами квар­теты - произведения зрелого
мастера, которому есть что сказать и который говорит Оригинально, лапидарно, доходчиво.
Квартеты Левитина занимают достойное место в сокровищнице камерной музыки XX века. Погружаясь в мир этой замечательной музыки, ощущаешь, что нет устаревших жанров — каждый жанр, к которому обращается подлинный талант, обогащается и расцветает новыми красками.

М. Вайнберг

* * *
Квартет имени Глинки был создан в 1966 году. В его состав вошли воспитанники Московской государственной консерватории: лауреат Всесоюзного и дипломант Международного конкурсов Александр Аренков, Сергей Пищугин, лауреат Международного конкурса Михаил Геллер, Дмитрий Ферштман.
В 1969 году Квартет имени Глинки (в то время он назывался Квар­тетом Союза композиторов) был удостоен I премии на Международ­ном конкурсе струнных квартетов в Льеже. Игра молодых музыкан­тов была восторженно встречена публикой и прессой.
Многочисленные гастроли квартета за рубежом проходят с неиз­менным успехом. Вот некоторые отзывы печати. «...Ансамбль пред­ставляет собой коллектив исполнителей с техническим и музыкаль­ным мастерством на мировом уровне» («Австрийские новости», Вена).
«...Чистое, юношеское и одновременно зрелое и совершенное,— так можно охарактеризовать художественные качества Квартета име­ни Глинки» («Народна култура», София).

Отар Тактакишвили - Концерт № 2 для фортепиано с оркестром -Горные напевы- (1976)(Мелодия С10 08017-18)

О. Тактакишвили (р. 1924)

I сторона

Концерт № 2 для фортепиано с оркестром -Горные напевы-

1. Andante (8.24)

2. Allegro alia breve (9.07)

Элисо Вирсаладзе 

Оркестр Большого театра СССР Дирижер Отар Тактакишвили

II сторона

Концертино для скрипки и малого оркестра

1. Allegretto (6.11)

2. Andantino (6.48)

3. Vivo (6.20)

Давид Ойстрах 

Большой симфонический оркестр Всесоюзного радио и телевидения 

Дирижер Отар Тактакишвили

Звукорежиссеры: Ю. Кокжаян, Д Гаклин Редактор И. Чумакова

Народный артист СССР, лауреат Государствен­ных премий Отар Васильевич Тактакишвили явля­ется одним из наиболее видных представителей со­ветского музыкального искусства. Его композитор­ская, исполнительская и общественная деятель­ность вот уже тридцать лет связана с развитием музыки Грузии.
Сочинения О. Тактакишвили давно вошли в му­зыкальную жизнь современности, заняли прочное место в концертном репертуаре, программах учеб­ных заведений, обогатились интерпретациями вы­дающихся исполнителей. Высокий профессиональ­ный уровень и широта кругозора позволили ком­позитору проявить себя во многих жанрах и фор­мах музыки — его перу принадлежат симфонии, оперы, симфонические поэмы, оратории и кантаты, инструментальные концерты, сольные и хоровые сочинения, музыка к кинофильмам и спектаклям. Эти произведения отличает новаторское претворе­ние традиций многовекового прошлого, органиче­ски связанных с древним и самобытным фолькло­ром Грузии.
Центральная творческая тема композитора — тема созидания, охватывающая прекрасный и мно­гообразный мир человеческих чувств и природы, величие исторического пути, пройденного народом. Поэтически раскрывается эта тема в Концертино для скрипки с оркестром в трех частях, написан­ном летом 1956 года. Гармоничность и одухотво­ренность эмоциональных состояний, созвучных щедрому весеннему пробуждению природы, пере­даются неповторимыми по естественности и красо­те мелодиями, свежими ладотональными красками в очертаниях стройной, уравновешенной формы.
Первая часть — Allegretto — изящная сонатина. Ее начинает неторопливая, широкого дыхания те­ма скрипки. Тембральные, гармонические, фактур­ные варианты последующих проведений главной партии неизменно завершаются одним и тем же кадансом, мягко «округляя» построения. Прихот­ливый орнаментальный узор побочной партии, ис­полненной тонкой грации, напоминает о характер­ных интонациях городской грузинской песни.
Во второй части, Andantino, пленяет скромная, чуть грустная мелодия на фоне прозрачного акком­панемента, острая ритмическая характерность ко­торого вуалируется нежным звучанием арфы.
Финал, Vivo, покоряет свободной импровиза­ционной стихией танца, зажигательным вихрем движения. Несмотря на четкую структурную оформленность (рондо с двумя эпизодами), эта часть производит впечатление мгновенной импро­визации. Рефрен увлекает неуемной энергией, жи­востью, напором молодых сил. Эпизоды вносят фактурные и
образные контрасты. Первый — не­принужденные веселые попевки, напоминающие народные инструментальные наигрыши. Второй —
вначале нежная и одухотворенная, а затем патети­ческая тема из среднего раздела Andantino. Ее объединяющая, цементирующая роль подчеркива­ется сходством с интонациями главной темы пер­вой части.
Второй концерт для фортепиано с оркестром был написан в 1973 году. Программный подзаголо­вок «Горные напевы» свидетельствует о его близо­сти интонациям глубинных пластов грузинской песни — крестьянской, горской. Необычный по форме (цикл состоит из двух частей), написанный быстрыми и острыми мазками, концерт является новым этапом в развитии жанра, в совершенство­вании методов типизации содержания и драматур­гии. Связь с народно-песенными источниками обу­словила демократизацию музыкального языка, рассчитанного на восприятие широкими массами слу­шателей, а также реализм музыкальных образов сочинения. В новом произведении проявилась зре­лость симфонического письма композитора, умело сочетающего возможности камерно-инструмен­тального и масштабно-оркестрового стиля. В соот­ношении соло и оркестра выделяются три принци­па: равнозначность партий, диалогичность и состя­зание. Виртуозность сочетается здесь с глубиной и значительностью образов, лирической проникно­венностью и высоким накалом драматизма.
Первая часть, Andante, построена в виде диало­га фортепиано и оркестра. Необычно уже начало: задумчивая одноголосная тема в низком регистре фортепиано, расцвеченная национальным орнамен­том. Ей отвечают настойчиво повторяющиеся мело­дические фразы фагота. Это поэтичная «заставка» концерта и в то же время мелодическое зерно, из которого вырастает весь тематизм сочинения. Ме­лодия варьируется фактурно, обрастает новыми тембрами, доводится до широких, щедрых кульми­национных разливов, доходящих до страстного драматизма. Ярким контрастом отзвучавшей буре является одинокий, в первоначальном изложении, дуэт двух инструментов, обрамляющий повество­вание.
Вторая часть, Allegro, открывается темой в басах фортепиано — мобильной, темпераментной, остро ритмизованной. В дальнейшем она появляется в ря­де остроумных образных перевоплощений. Пла­стичная гибкость музыки определяется изобрета­тельной полифонической разработкой, тонкой иг­рой ритмов, постоянным обновлением фактуры.
Концерт предъявляет чрезвычайно высокие тре­бования к исполнению. Это прежде всего относит­ся к образной рельефности, национальной харак­терности эпизодов при строжайшей спаянности их логикой симфонического развития, а также к ро­мантической приподнятости эмоционального вы­ражения и впечатляющему блеску виртуозности.

Е. Кулова

Юрий Александров - Восемь романсов для хора и симф. орк., фортепианные пьесы (1976)(Мелодия С10 08127-8)

Юрий Александров (р. 1914)

I сторона
Восемь романсов для хора и симфонического оркестра
на слова М. Лермонтова
1. Сосна
2. Горные вершины
3. Утес
4. Могила бойца
5. Пир
6. Пан
7. Гроза
8. Парус

Большой хор и оркестр Всесоюзного радио и телевидения
Художественный руководитель К. Птица
Дирижер М. Шостакович

II сторона
Токката

Т. Рубина - фортепиано

Фортепианный цикл «Песня в лесу»
1. Маленькая увертюра
2. Песня в лесу
3. Холодно и сыро
4. Капли на листьях
5. Белочка
6. Канцонетта
7. Этюд
8. Молдавский танец
9. Мотя
10. Вальс
11. Менуэт
12. Джигит

Т. Барановская (1, 3, 6, 7)
Ю. Муравлев (2, 4, 5, 8, 10)
Т. Вишнякова (9, 11, 12)

Запись из концертного зала
Оператор Т. Павлова. Редактор И. Орлова

Юрий Михайлович Александров принадлежит к поколению композиторов, заявивших о себе первыми значительными про­изведениями в военные и первые послевоенные годы. Он ро­дился 1 сентября 1914 года в Ташкенте, начальное музыкаль­ное образование получил в Москве, где в юности учился в му­зыкальном училище при Московской консерватории по двум специальностям — фортепиано и композиции. Но музыку как профессию юноша выбрал не сразу и параллельно учился в строительном техникуме, после окончания, которого работал несколько лет техником на стройках Москвы. Лишь в 1937 го­ду поступил Юрий Александров в Московскую консерваторию, где его учителями по композиции были Г. И. Литинский и В. Я. Шебалин.
Круг творческих интересов Ю. Александрова весьма широк, композитором созданы произведения самых различных жанров. Здесь немало крупных полотен: симфония-кантата «Кавказ» (стихи Сулеймана Стальского; посвящена памяти героев — уча­стников боев за освобождение Кавказа в годы Великой Отече­ственной войны), кантата «Песнь о родной земле» (стихи А. Досталя), симфоническая поэма «Памяти Циолковского», два про­изведения, посвященных памяти В. И. Ленина: симфоническая поэма «У мавзолея» и хоровой цикл «Мавзолей» (десять поэм на стихи советских поэтов). Среди многих песен и романсов Ю. Александрова выделяются два цикла, созданные еще в го­ды Великой Отечественной войны: «Ленинграду» (песни на стихи А. Прокофьева) и «Бессмертье» (романсы на стихи А. Суркова). Большой популярностью пользуется балет Юрия Александрова «Белеет парус одинокий» (по одноименной пове­сти В. Катаева; с 1970 года идет на сцене московского театра им. Станиславского и Немировича-Данченко), принадлежащий к числу значительных достижений композитора.
В своих вокально-хоровых произведениях Юрий Александ­ров использовал стихи многих поэтов, но особое тяготение проявляет к поэзии Лермонтова. Одна из больших творческих удач композитора — цикл «Восемь романсов для смешанного хора и симфонического оркестра на стихи М. Ю. Лермонто­ва», созданный в 1966 году. Необычное для хоровой музыки жанровое определение «романс» объясняется камерными мас­штабами и характером музыки этих миниатюр. Юрий Алек­сандров отобрал из лермонтовской лирики восемь стихотворе­ний, в большинстве своем посвященных «байроническим» мо­тивам одиночества человека, романтической теме «человек и природа».
Четыре из отобранных стихотворений — «Сосна» (у Лер­монтова это стихотворение - вольный перевод из Генриха Гейне — не озаглавлено), «Горные вершины» (лермонтовское название - «Из Гёте», вольный перевод стихотворения Гёте «Ночная песнь странника»), «Утес» и «Парус» — были уже не­однократно положены на музыку, что поставило перед компо­зитором особую задачу: отрешиться от общеизвестных музы­кальных воплощений столь популярных стихов и найти свое оригинальное решение, свой образный строй. Интересно, что основная тема романса «Парус» (начальная мелодия на слова «Белеет парус одинокий») та же, что и лейтмотив «паруса оди­нокого» в одноименном балете, но в соответствующей хоровой переработке.
В четырех названных романсах хоровая партитура разра­ботана весьма детально, причем хор чаще всего трактован как единый инструмент, хотя композитор пользуется также прие­мами полифонической разработки голосов либо их контрастно­го противопоставления, как, например, в романсе «Утес», где первый куплет («Ночевала тучка золотая на груди утеса великана») поют сопрано и тенора, а второй («Но остался влажный след в морщине старого утеса») — басы. Развернутых оркест­ровых эпизодов в этих четырех романсах нет, что также гово­рит о их камерности, но роль оркестра отнюдь не только ак­компанирующая: многие детали оркестровой партитуры, тон­кие приемы инструментальной изобразительности и красочно­сти принимают действенное участие, совместно с приемами хо­ровой выразительности, в создании рельефных музыкальных образов.
К четырем названным романсам примыкает и романс «Гро­за» (здесь композитором использованы два стихотворения Лер­монтова, родственные по содержанию), посвященный той же теме «человек и природа», однако музыка здесь более драматична, масштабы — развитые, а роль оркестра, живописующе­го грозу, более значительна.
Два романса — «Пир» и «Пан» — посвящены другим лири­ческим мотивам: здесь воспеваются дружба и любовь, радость общения с природой и радость творчества. Несколько особня­ком стоит в цикле романс «Могила бойца» (у Лермонтова жанр этого стихотворения обозначен как «дума»; из семи его строф композитором использованы только пять), эпического харак­тера, музыка которого отличается сурово-сдержанными чертами.
В списке произведений Ю. Александрова значительное ме­сто занимают пьесы камерно-инструментальных жанров: струн­ный квартет, сонаты, поэмы, миниатюры для фортепиано, скрипки, виолончели, а также для арфы, валторны, трубы, гитары, домры.
Фортепианная Токката, написанная в 1965 году, принадле­жит к числу концертно-виртуозных произведений композито­ра. Как известно, в жанре токкаты чаще всего используется прием непрерывного движения; использован он и в Токкате Ю. Александрова. Но на непрерывную нить моторности в од­них голосах нанизаны в других голосах аккорды и мелодии, подчиненные сложным, порой синкопированным ритмам и пре­обладающему «угловатому» пятидольному размеру. В сочета­нии с массивной, плотной фактурой и волнами динамических нарастаний и спадов это придает музыке черты активной им­пульсивности и «пружинистой» энергии.
В ином ключе написаны пьесы детского альбома «Песня в лесу», созданного Ю. Александровым в 1970 году. Предназна­ченные для юных пианистов, они не отличаются технической трудностью, однако их музыкальный язык — вовсе не упро­щенный и вполне современный. Здесь автор придерживается принципа, столь характерного для советской детской музыки: взрослые как бы разговаривают с детьми на доступном для них языке, но вполне серьезно. В образном строе изящных пьесок альбома ярко проявилось свойственное композитору мастер­ство лаконичного музыкального портрета, пейзажной зари­совки.
Первая пьеса   «Маленькая увертюра» — задает всему
сборнику тон детской живости и непосредственности. Следую­щие четыре пьесы — это маленький цикл «лесных картинок»: «Песня в лесу» (она дала название всему альбому), «Холодно и сыро», «Капли на листьях» и «Белочка». Затем идут пьески концертного характера: «Концонетта» и «Этюд», а после них — маленькая танцевальная сюита: «Молдавский танец», изящная и оригинальная полька-гавот «Мотя» (эта музыка заимствована из балета «Белеет парус одинокий», где является танцевальной характеристикой одной из юных героинь: девочки Моти, сест­ры Гаврика), «Вальс» и «Менуэт». Последняя пьеса альбома — «Джигит», токкатно-моторного характера, — портрет смелого юного наездника.

Л. Ауэрбах