tag:blogger.com,1999:blog-16314844421227555342024-03-13T09:01:00.269+05:00old the best outредкая классическая музыка, rare classical music, rare vinylAnonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.comBlogger47125tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-20194131363454935812018-07-23T21:11:00.001+05:002018-07-23T21:11:39.758+05:00С. Прокофьев - Скифская сюита Ала и Лоллий, И. Стравинский - Песнь соловья (1964)(Д 013495-6)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-2DZSSw6Gxpk/W1X94AaMK6I/AAAAAAAAAkw/BS2swC5Vo_0C_armfCLkVWQof_MZl_eiQCLcBGAs/s1600/%25D0%25A1.%2B%25D0%259F%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BA%25D0%25BE%25D1%2584%25D1%258C%25D0%25B5%25D0%25B2%2B-%2B%25D0%25A1%25D0%25BA%25D0%25B8%25D1%2584%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B0%25D1%258F%2B%25D1%2581%25D1%258E%25D0%25B8%25D1%2582%25D0%25B0%2B%25D0%2590%25D0%25BB%25D0%25B0%2B%25D0%25B8%2B%25D0%259B%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25BB%25D0%25B8%25D0%25B9%252C%2B%25D0%2598.%2B%25D0%25A1%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25B0%25D0%25B2%25D0%25B8%25D0%25BD%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D0%25B9%2B-%2B%25D0%259F%25D0%25B5%25D1%2581%25D0%25BD%25D1%258C%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25BE%25D0%25B2%25D1%258C%25D1%258F%2B%2B%25284%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1597" data-original-width="1600" height="319" src="https://2.bp.blogspot.com/-2DZSSw6Gxpk/W1X94AaMK6I/AAAAAAAAAkw/BS2swC5Vo_0C_armfCLkVWQof_MZl_eiQCLcBGAs/s320/%25D0%25A1.%2B%25D0%259F%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BA%25D0%25BE%25D1%2584%25D1%258C%25D0%25B5%25D0%25B2%2B-%2B%25D0%25A1%25D0%25BA%25D0%25B8%25D1%2584%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B0%25D1%258F%2B%25D1%2581%25D1%258E%25D0%25B8%25D1%2582%25D0%25B0%2B%25D0%2590%25D0%25BB%25D0%25B0%2B%25D0%25B8%2B%25D0%259B%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25BB%25D0%25B8%25D0%25B9%252C%2B%25D0%2598.%2B%25D0%25A1%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25B0%25D0%25B2%25D0%25B8%25D0%25BD%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D0%25B9%2B-%2B%25D0%259F%25D0%25B5%25D1%2581%25D0%25BD%25D1%258C%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25BE%25D0%25B2%25D1%258C%25D1%258F%2B%2B%25284%2529.jpg" width="320" /></a></div>
Сергей Прокофьев <br />Апа и Лоллий, скифская сюита, соч. 20<br />1. Поклонение Велесу и Але<br />2. Чужбог и пляска нечисти<br />3. Ночь <br />4. Поход Лоллия и шествие солнца<br /><br />Государственный Симфонический Оркестр СССР<br />дирижер Константин Иванов<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/kgENGyenLGE/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/kgENGyenLGE?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-3gm6TKT39vE/W1X9-k3W20I/AAAAAAAAAk0/hJyK5Ipv5bgeYGfKrGRur8kb1wi5aI1sQCLcBGAs/s1600/%25D0%25A1.%2B%25D0%259F%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BA%25D0%25BE%25D1%2584%25D1%258C%25D0%25B5%25D0%25B2%2B-%2B%25D0%25A1%25D0%25BA%25D0%25B8%25D1%2584%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B0%25D1%258F%2B%25D1%2581%25D1%258E%25D0%25B8%25D1%2582%25D0%25B0%2B%25D0%2590%25D0%25BB%25D0%25B0%2B%25D0%25B8%2B%25D0%259B%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25BB%25D0%25B8%25D0%25B9%252C%2B%25D0%2598.%2B%25D0%25A1%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25B0%25D0%25B2%25D0%25B8%25D0%25BD%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D0%25B9%2B-%2B%25D0%259F%25D0%25B5%25D1%2581%25D0%25BD%25D1%258C%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25BE%25D0%25B2%25D1%258C%25D1%258F%2B%2B%25283%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1573" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-3gm6TKT39vE/W1X9-k3W20I/AAAAAAAAAk0/hJyK5Ipv5bgeYGfKrGRur8kb1wi5aI1sQCLcBGAs/s320/%25D0%25A1.%2B%25D0%259F%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BA%25D0%25BE%25D1%2584%25D1%258C%25D0%25B5%25D0%25B2%2B-%2B%25D0%25A1%25D0%25BA%25D0%25B8%25D1%2584%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B0%25D1%258F%2B%25D1%2581%25D1%258E%25D0%25B8%25D1%2582%25D0%25B0%2B%25D0%2590%25D0%25BB%25D0%25B0%2B%25D0%25B8%2B%25D0%259B%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25BB%25D0%25B8%25D0%25B9%252C%2B%25D0%2598.%2B%25D0%25A1%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25B0%25D0%25B2%25D0%25B8%25D0%25BD%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D0%25B9%2B-%2B%25D0%259F%25D0%25B5%25D1%2581%25D0%25BD%25D1%258C%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25BE%25D0%25B2%25D1%258C%25D1%258F%2B%2B%25283%2529.jpg" width="314" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/1M19o26sAHw/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/1M19o26sAHw?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
Игорь Стравинский<br />Песнь соловья, симфоническая позма<br /><br />Игорь Стравинский<br />Песнь соловья, симфоническая позма<br /><br />Симфонический Оркестр Всесоюзного Радио<br />дирижер Игорь Блажков<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-17461747844765834852018-07-23T19:08:00.000+05:002018-07-23T19:13:44.626+05:00С.Рахманинов, С.Прокофьев, C.Debussy - играет Виктор Ересько (1968)(Мелодия Д 022073-4)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-QwqHSLl6GlE/W1Xg7Qmuo5I/AAAAAAAAAkk/5ldHXyjiYaoiiN_0pSLl_O9yAWrmyuEEwCLcBGAs/s1600/cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-QwqHSLl6GlE/W1Xg7Qmuo5I/AAAAAAAAAkk/5ldHXyjiYaoiiN_0pSLl_O9yAWrmyuEEwCLcBGAs/s320/cover.jpg" width="320" /></a></div>
играет Виктор Ересько (фортепиано)<br />
Рахманинов – Вариации ре минор на тему Корелли, соч.42<br />
Этюд-картина ля минор, соч. 39 № 6<br />
Прокофьев - Сказки старой бабушки, соч. 31<br />
Дебюсси - Детский уголок, сюита, соч. 1908 г.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/IaUG6dT0xrY/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/IaUG6dT0xrY?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
<br />
«Этот молодой пианист не только большой и вдохновенный поэт, превосходно владеющий искусством звука, это один из необычайно одаренных артистов», — писала Маргарита Лонг о советском музыканте Викторе Ересько.<br />
Он родился в 1942 году на Украине. Учился во Львовской музыкальной школе, затем во Львовской консерватории. В 1961 году Ересько успешно выступил на Всесоюзном конкурсе музыкантов-исполнителей и был отмечен почетным дипломом. Тогда же он был принят в Московскую консерваторию в класс профессора Я. Флиера, а затем перешел в класс доцента Л. Власенко.<br />
После окончания консерватории Ересько совершенствуется в аспирантуре под руководством доцента Л. Наумова.<br />
Дарование пианиста получило самую высокую оценку на Международном конкурсе имени М. Лонг и Ж. Тибо в Париже в 1963 году (I премия). В 1966 году Ересько была присуждена III премия на Международном конкурсе имени П. И. Чайковского.<br />
Пианист много концертирует в городах Советского Союза, успешно гастролировал за рубежом. <br />
<br />
В мировой музыкальной литературе есть несколько замечательных музыкальных тем, которые своим оригинальным образным характером на протяжении веков привлекают к себе внимание самых различных композиторов. Эти темы послужили основой многих вариационных циклов (достаточно напомнить 24 каприс Паганини и произведения Шумана, Брамса, Рахманинова, а ныне — В. Лютославского, Б. Блахера на эту тему). К таким же, кочующим из века в век, из произведения в произведение темам относится и прекрасная испано-португальская мелодия народного танца «фолья». Одним из первых ее использовал в своей скрипичной сонате Арканджело Корелли. Затем к ней обращались многие композиторы, в том числе А. Вивальди, Д. Перголези, И. С. Бах, Ф. Э. Бах, Л. Керубини, Ф. Лист, из русских композиторов Ш А. Алябьев (в балете «Волшебный барабан»). Было даже забыто народное происхождение мелодии, и она вошла в историю музыки как тема «La Folia» Корелли. Сам Рахманинов, обратившись к этой -заинтересовавшей его теме и написав фортепианные вариации, озаглавил их первоначально как «Вариации на тему Корелли». Только впоследствии, узнав о том, что тема не принадлежит итальянскому композитору, он снял это название, оставив просто «Вариации, соч. 42». Однако первоначальное заглавие прочно сохранилось за произведением.<br />
«Вариации на тему Корелли» — одно из немногих сочинений, созданных композитором за время его долголетнего пребывания за границей, — написаны в 1931 году и впёрвые были исполнены автором 12 октября того же года в Монреале.<br />
Цикл включает в себя строго изложенную тему, лирическую и даже скорбную по характеру, 20 вариаций и заключительную коду. Вариации отличаются глубиной и психологической остротой содержания. Мрачность первых вариаций, через бурные, экстатические взлеты и мучительные спады (особенно в 8-й вариации Adagio misterioso), постепенно преодолевается и растворяется в лирических откровениях и утверждающем полетном движении заключительных вариаций, приводящих к углубленно-просветленной коде. Несмотря на испанский характер самой темы, Рахманинов и в этом произведении остался композитором глубоко русским. В процессе вариационного развития темы в музыке все настойчивее звучат русские интонации, столь типичные для всего творчества Рахманинова.<br />
Этюды-картины Рахманинова, соч. 3, созданные в 1917 году, являются продолжением аналогичного, цикла, соч. 33. Все эти сочинения эмоциональные, взволнованные зарисовки, в которых редкая мелодическая красота и виртуозный размах сочетаются с типичной для Рахманинова острой психологичностью.<br />
Этюд № 6 ля минор был задуман композитором как своеобразная музыкальная иллюстрация к знаменитой; сказке о Красной Шапочке и волке. Однако по своему эмоциональному накалу, грандиозному размаху произведение далеко выходит за рамки заданной «программы». В могучих звучаниях фортепиано, во внезапно возникающих жалобных интонациях, в самом развитии и взаимодействии двух основных образов слышится скорее грозное бушевание стихии, драматическая напряженность, ассоциирующаяся с духом современной эпохи.<br />
В «Автобиографии», говоря о своем раннем творчестве, Прокофьев сам определил основные его направления. Наряду с «классической», «новаторской» и «токкатной» линиями, он особо выделил линию «лирическую». «Эта линия оставалась незамеченной или же ее замечали задним числом, — сетовал композитор, — в лирике мне долгое время отказывали вовсе, и, непоощренная, она развивалась медленно, зато в дальнейшем я обращал на нее все больше и больше внимания». К значительным ранним произведениям, развивающим эту линию прокофьевского творчества, принадлежат «Сказки старой бабушки». Пластичность и напевность мелодики сближают этот цикл с наиболее лирическими из ранних вокальных сочинений композитора. «С. С. Прокофьев нашел прекрасные музыкальные интонации к русским сказкам, мир которых пленял его и в дни молодости («Сказки старой бабушки»), и в последние годы жизни», — отмечал Д. Шостакович.<br />
«Сказки старой бабушки», соч. 31 написаны Прокофьевым в 1918 году и впервые были исполнены автором в Нью-Йорке в январе следующего года. Пьесам предпослан эпиграф: «Иные воспоминания наполовину стерлись в ее памяти, другие не сотрутся никогда».<br />
Четыре пьесы цикла близки друг другу по содержанию спокойно-умиротворенный, на редкость цельный лирический образ воплощается как бы в четырех различных модификациях. Каждая из пьес цикла написана в свободной трехчастной форме, средний эпизод обычно противопоставлен крайним разделам по характеру. От добродушной, слегка юмористической первой пьесы до протяжно-песенной заключительной в цикле сохраняется сказочная, несколько фантастическая и призрачная атмосфера.<br />
Фортепианная сюита «Детский уголок» была закончена К. Дебюсси в 1908 году (некоторые пьесы цикла написаны ранее) и впервые исполнена пианистом Г. Бауэром. Впоследствии и сам Дебюсси нередко исполнял Сюиту публично. Композитор посвятил сюиту своей дочери — «моей дорогой маленькой Шушу, с нежными извинениями отца за то, что последует».<br />
Цикл этот характерен стремлением автора к простоте, желанием понять, ощутить мир ребенка. Правда, по замыслу самого Дебюсси, это скорее музыка для детей, а не о детях. Шесть пьес «Детского уголка» — шесть разнохарактерных настроений и сценок, подмеченных острым взглядом чуткого художника. О первой из них - Доктор «Gradus ad Pamassum» — сам Дебюсси не без юмора писал, что она «род гигиенической и прогрессивной гимнастики: следовательно, подобает играть эту пьесу каждое утро, натощак, начиная «умеренно», чтобы закончить «оживленно».<br />
В музыке пьесы совершенно очевидна ирония Дебюсси в адрес всяческих упражнений; отсюда ее название («Gradus ad Parnassum» - знаменитые фортепианные этюды М. Клементи), а также многократно использованные традиционные приемы фортепианной техники.<br />
«Колыбельная слонов — яркая сценка, в которой тяжеловесность оттеняется нежно звучащими, ласковыми интонациями. «Серенада кукле» — чудесная лирическая пьеса. Тонкий, завораживающий музыкальный пейзаж— «Снег танцует» -— соседствует с выразительной нежной зарисовкой «Маленький пастух». «Кукольный кэкуок», завершающий сюиту, — блестящее и явно ироническое подражание, звучанию ранних джаз-бандов.<br />
Н. Танаев <br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-37917807901887300412018-07-01T21:28:00.000+05:002018-07-01T21:41:00.415+05:00Дмитрий Шостакович, Альфред Шнитке - Концерты для фортепиано с оркестром (1985)(Мелодия С10 22845 004)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-QZaNk3e1-Ig/Wzj_5ujr2hI/AAAAAAAAAjM/iE5RirCbde4ze5RTP-MPNvwK7AdLk5jDwCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-QZaNk3e1-Ig/Wzj_5ujr2hI/AAAAAAAAAjM/iE5RirCbde4ze5RTP-MPNvwK7AdLk5jDwCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
Сторона 1<br />
Дмитрий Шостакович <br />
Концерт № 1 для фортепиано с оркестром до минор, соч. 35 <br />
1. Allegro moderato — 5.26<br />
2. Lento <br />
3. Moderato <br />
4. Allegro con brio<br />
<br />
ВЛАДИМИР КРАЙНЕВ<br />
Государственный камерный оркестр Министерства культуры СССР «Виртуозы Москвы»<br />
Соло трубы — Владимир Кафельников <br />
Дирижер ВЛАДИМИР СПИВАКОВ<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/qqqeny4DhV0/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/qqqeny4DhV0?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />
Сторона 2<br />
Альфред Шнитке<br />
Концерт для фортепиано с оркестром (одночастный) — 25.10<br />
ВЛАДИМИР КРАЙНЕВ<br />
Литовский камерный оркестр Дирижер САУЛЮС СОНДЕЦКИС<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/bdFp0V86Jow/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/bdFp0V86Jow?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />
Звукорежиссер С. Пазухин. Редактор И. Слепнев<br />
Записи 1984 г.<br />
<br />
Фортепианные концерты Дмитрия Шостаковича (1933) и Альфреда Шнитке (1979) разделены несколькими десятилетиями и принадлежат, по существу, разным эпохам. Шостакович воплотил новаторский дух советского искусства первых послереволюционных лет; Шнитке — характерную созерцательность музыки последнего десятилетия, отмеченную заметным упрощением лексики и углублением смыслового контекста. Вместе с тем, оба сочинения имеют много общего. Это не только почти одинаковый исполнительский состав — фортепиано и струнный оркестр (к которому у Шостаковича добавлена труба), но и типичный для обеих эпох поиск новой звуковой реальности, новых принципов осмысления музыкального материала.<br />
В музыке 20 — 30-х годов большую роль играли плакатные, укрупненные звуковые элементы — интервал, трезвучие, цитата. Выполняя функцию своеобразных «стоп-кадров», они резко останавливают течение событий, вызывая порой шокирующий эффект (цитаты в Первом фортепианном концерте Шостаковича). В произведениях Шостаковича 60 — 70-х годов (так же, как и в музыке его последователей — Шнитке, Тищенко) подобные простейшие элементы или цитаты, обособляясь, становятся многозначными символами, заставляют нас задуматься над глубинным смыслом звуковых «событий», над вечными, непреходящими законами единства культуры (например, цитата из «Лунной» сонаты Бетховена в Альтовой сонате Шостаковича).<br />
Ко времени создания Первого фортепианного концерта дар Шостаковича-композитора раскрылся всеми своими гранями: и юмористически-пародийными, и трагедийно-эпическими, и лирико-созерцательными. Шостакович уже был автором оперы «Леди Макбет Мценского уезда», балета «Золотой век», трех симфоний, музыки к спектаклю «Гамлет», многочисленных камерных и вокальных произведений. Атмосфера Первого концерта близка дразнящей плакатной пародийности, театральной заостренности «Золотого века», фортепианных «Афоризмов», музыки к «Клопу» Маяковского. Все образы Концерта как бы нарочито укрупнены, броски и лапидарны. Их пестрая разноголосица словно воспроизводит реальную разноголосицу жизни тех первых послереволюционных лет. Неудивительно поэтому, что в музыке Концерта естественно сосуществуют шлягерные мотивы и классические цитаты, утонченная поэтичность и лихой галоп. Шостакович достигает зримой, почти кинематографической осязаемости образов. При этом фортепианная и оркестровая фактура предельно скупа, графична — во всем главенствует выразительный лаконизм. Прорисованность каждой линии становится важнее общей массы звучания; калейдоскоп отдельных ярких мотивов — предпочтительнее последовательной тематической разработки.<br />
Открываясь недвусмысленным напоминанием начального мотива бетховенской «Аппассионаты», первая часть довольно быстро модулирует совсем в иную сферу образов, как бы балансируя на грани серьезной классичности и довольно откровенной шлягерности. Внешне соблюдая традиционные рамки сонатного аллегро, Шостакович создает прямо-таки поражающий контраст разных его партий: без преувеличения можно сказать, что они принадлежат разным стилистическим мирам. Резкость контраста еще более подчеркивается сдвигами темпа и неожиданными вторжениями реплик трубы.<br />
Вторая часть — интермеццо, отмеченное чистым созерцательным настроением, характерным для многих лирических страниц музыки Шостаковича. Короткая третья часть — это вступление к финалу, который обрушивается на нас своим стремительным движением. Здесь, словно в карнавальном вихре, мелькают удивительно знакомые, но замаскированные «персонажи» из сочинений классической музыки: ре-мажорного клавирного Концерта Гайдна, Рондо, соч. 129 Бетховена, «Вольного стрелка» Вебера...<br />
Среди сочинений Шнитке есть такие, которые поражают контрастами сопоставлений (Первая симфония, Concerto grosso № 1), и такие, которые находятся, казалось бы, в русле одного стилистического наклонения (Пассакалия, Концерт для гобоя и арфы). Фортепианный концерт принадлежит к третьей группе сочинений. Становление образов здесь происходит как бы в разных, параллельных плоскостях. Ничто не существует изолированно, однозначно: раз появляясь, тот или иной образ тут же обретает свою тень, негатив, многие, подчас неуловимые связи с другими образами. Автор обнаруживает поистине исследовательскую проницательность, заставляя ощутить ускользающее от поверхностного взгляда всеобщее единство, взаимосвязанность.<br />
Контрапункт противоположных, полярных по своему значению образов становится в Концерте едва ли не важнейшим средством музыкальной драматургии. Традиционный, почти романтический аккордовый аккомпанемент естественно сочетается с мотивом знаменного распева (правая и левая рука фортепианной партии). Контрапунктически соединяется и рояль со струнными: лапидарные трезвучия солирующего инструмента становятся символом темперированной стабильности, а разветвленные оркестровые голоса воплощают сомнение, поиск, «раскачивая» звуковую шкалу до четвертитонов. В репризе, впрочем, эти черты взаимопроникают: струнные «тянут» аккорды, а фортепианное звучание растворяется в изломанных хроматизмах...<br />
Для музыки Шнитке сегодня становится все менее существенным эффект столкновения стилистически разнородного материала. Композитор как бы меняет ракурс своего видения мира: от полистилистики он естественно приходит к открытию новых смысловых резервов музыкального языка, двигаясь в глубь его значений. При этом «речь» композитора внешне становится более простой, спокойной, фактура его сочинений — более однородной. И в этом Шнитке, безусловно, продолжает линию, намеченную и указанную Шостаковичем. Если яркий, динамичный драматургический рельеф музыки Шнитке ассоциируется скорее с ранними сочинениями великого мастера (в том числе и с Первым фортепианным концертом), то символический подтекст, внутренние интонационные процессы более связываются с той особенностью поздних опусов Шостаковича, которую его ученик Б. Тищенко назвал «подводной частью айсберга». Простейшие элементы музыки приобретают «знаковый» характер, порождают длинный ряд ассоциаций. Они уводят слушателя далеко за пределы данного сочинения, погружая в многомерное «неэвклидово пространство» русской культуры, о котором говорил Достоевский еще в прошлом веке.<br />
А. ИВАШКИН<br />
Народный артист РСФСР Владимир Крайнев родился в 1944 году в г. Красноярске. Музыкальное образование получил в Центральной музыкальной школе (у А. И. Сумбатян) и в Московской консерватории (у профессоров Г. Г. Нейгауза и С. Г. Нейгауза). В. Крайнев — лауреат международных конкурсов в Лидсе (1963, вторая премия), Лиссабоне (1964, первая премия). В 1970 году был удостоен первой премии и золотой медали на IV Международном конкурсе им. П. И. Чайковского в Москве. Пианист ведет активную концертную деятельность как солист и ансамблист в Советском Союзе и за рубежом. «Это законченный артист и виртуоз — темпераментный, стремительный, эмоциональный. У него огромный, разнообразный музыкальный и технический потенциал»,— писал в газете «Правда» Эмиль Гилельс.<br />
Государственный камерный оркестр Министерства культуры СССР «Виртуозы Москвы» был создан по инициативе известного скрипача, заслуженного артиста РСФСР Владимира Спивакова. Выступления во многих городах Советского Союза, гастроли в Австрии, Англии, Венгрии, США, ФРГ и других странах принесли этому коллективу и его дирижеру международное признание. Рецензенты неоднократно отмечали высокий профессионализм и артистизм, изумительную музыкальность, редкостное чувство стиля, благородство и красоту звучания оркестра.<br />
Организатором и бессменным художественным руководителем Литовского камерного оркестра является народный артист СССР профессор Саулюс Сондецкис. Разносторонний, широко эрудированный музыкант, он известен не только как дирижер, но и как видный педагог, воспитатель молодых исполнителей в Литовской консерватории и в Вильнюсской школе искусств им. М. К. Чюрлёниса.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-30861354578196717252018-06-29T14:43:00.000+05:002018-06-29T15:11:12.898+05:00Д.Шостакович Симфония №6, А.Онеггер Симфония №3 - Дирижирует Евгений Мравинский (1965)(Мелодия СМ 02857-58)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-3GgewSBYyt0/WzX-9esVMtI/AAAAAAAAAi4/a7spMbuZx4QmegDisLXyaMCcQCrtCq-XwCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-3GgewSBYyt0/WzX-9esVMtI/AAAAAAAAAi4/a7spMbuZx4QmegDisLXyaMCcQCrtCq-XwCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
Дмитрий Шостакович (1906 - 1975) <br />
СИМФОНИЯ № 6 СИ МИНОР, соч. 53<br />
<br />
1 LARGO 2. ALLEGRO 3. PRESTO<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/m0hgZXyULaY/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/m0hgZXyULaY?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
<br />
Артюр Онеггер (1892 - 1955) <br />
СИМФОНИЯ № 3 ЛИТУРГИЧЕСКАЯ, соч. 1945-1946 гг.<br />
<br />
1. DIES IRAE (ALLEGRO MARCATO) 2. DE PROFUNDIS CLAMAVI (ADAGIO) 3. DONA NOBIS PACEM (ANDANTE)<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/UMdwsR2GZWI/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/UMdwsR2GZWI?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
<br />
Дирижирует ЕВГЕНИЙ МРАВИНСКИЙ<br />
ЗАСЛУЖЕННЫЙ КОЛЛЕКТИВ РЕСПУБЛИКИ <br />
СИМФОНИЧЕСКИЙ ОРКЕСТР ЛЕНИНГРАДСКОЙ ГОСУДАРСТВЕННОЙ ФИЛАРМОНИИ<br />
<br />
ЗАПИСЬ ИЗ БОЛЬШОГО ЗАЛА КОНСЕРВАТОРИИ Москва, февраль 1965 г.<br />
<br />
На первом Всесоюзном конкурсе дирижеров в Москве (осень 1938 года) первая премия была присуждена молодому музыканту Евгению Мравинскому. В октябре 1938 года он был назначен главным дирижером оркестра Ленинградской филармонии, и с тех пор бессменно находится на этом посту. За годы руководства заслуженным коллективом республики Мравинский сумел поднять его исполнительскую культуру до уровня, обеспечившего этому коллективу репутацию одного из лучших симфонических оркестров мира.<br />
Может быть, главная особенность искусства Мравинского—умение вызвать творческую активность аудитории. Мравинский никогда не развлекает слушателя, тем более не «потакает» его привычкам и вкусам. В общении со слушателями — на концертах — он неизменно выступает в качестве художника-пропагандиста, убеждающего продуманностью и выношенностыо своей концепции исполнения. Это особенно ценят играющие с ним артисты оркестра и слушающие его знатоки и любители симфонической музыки. Мравинский вырос в музыкальной среде. В 1919 году шестнадцатилетний юноша вынужден был ради заработка поступить мимистом в Мариинский театр. Позднее Мравинский стал работать пианистом в Ленинградском хореографическом училище, где играл на уроках классического танца. Тогда же возникло у него решение целиком посвятить себя профессиональной музыкальной деятельности. В 1923 году он был зачислен в учебные классы Академической капеллы, а через год принят в Ленинградскую консерваторию.<br />
Здесь он прошел курс композиции по классу профессора В. Щербачева и курс дирижирования у профессора Н. Малько и А. Гаука.<br />
После годичной работы дирижером- ассистентом в Ленинградском театре оперы и балета Мравинский дебютировал в «Спящей красавице» шедшей с участием Галины Улановой, тогда еще совсем молодой танцовщицы. Этот спектакль — 20 сентября 1932 года — принес Мравинскому первое признание. На «Спящую красавицу» стали ходить не только для того, чтобы увидеть Уланову, Дудинскую или Сергеева; но и слушать Мравинского. Так стало позднее и с «Лебединым озером» и со «Щелкунчиком».<br />
Уже в те годы Мравинский выступил как пропагандист советской музыки. Это было связано с его работой над балетами Б. Асафьева «Бахчисарайский фонтан» (1934) и «Утраченные иллюзии» (1935), сыгравшими значительную роль в развитии нашего музыкально-хореографического искусства.<br />
В середине тридцатых годов Мравинский завоевал в Ленинграде и репутацию одаренного, технически сильного дирижера-симфониста, выступая в филармонии, Домах культуры, в радиопередачах.<br />
После победы на Всесоюзном конкурсе дирижеров он оставляет театр и целиком посвящает себя симфонической эстраде.<br />
Для индивидуального стиля исполнения Мравинского характерны тесное слияние эмоционального и интеллектуального начал, темпераментность повествования и уравновешенная логика общего исполнительского плана.<br />
Вдумчивый истолкователь симфонической музыки прошлого и современности, воспитатель выдающегося оркестрового коллектива, составляющего гордость музыкальной культуры нашей страны, — таков в своей многогранной творческой деятельности народный артист СССР, лауреат Ленинской премии дирижер Е. А. Мравинский. Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-14471245398407452492018-06-21T14:43:00.003+05:002018-06-21T14:43:51.205+05:00Алексей Муравлев - Сочинения для фортепиано (1984)(Мелодия С10 21261 000)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-lXu5Lw9vYy8/WytzDEXyf9I/AAAAAAAAAik/0izNC05J3cEJLwrAa-jNrsmCGMwQDVbxACLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-lXu5Lw9vYy8/WytzDEXyf9I/AAAAAAAAAik/0izNC05J3cEJLwrAa-jNrsmCGMwQDVbxACLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
Сторона 1 <br />Сказы, Пять характерных пьес, соч. 5<br />1. До мажор. Moderato assai — 2.16<br />2. Ми минор. Allegro moderato — 3.14<br />3. Си-бемоль мажор. Росо adagio — 4.45<br />4. Фа мажор. Allegro con brio — 4.14<br />5. До мажор. Moderato assai — 7.16<br /><br />Сторона 2 <br />Элегия из музыки к кинофильму «Дом с мезонином» Русское скерцо, соч. 6 — 4.48<br />Три пьесы для фортепиано, соч. 15<br />1. Новеллетта —3.00<br />2. Пастораль - 2.13<br />3. Шествие — 2.42 <br /><br />ЮРИЙ МУРАВЛЕВ, фортепиано<br />
<br />Звукорежиссер Р. Рагимов Редактор И. Слепнев Художник В. Байков Фото Г. Прохорова<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/oshCGU2DJkI/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/oshCGU2DJkI?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br /><br />Имя заслуженного деятеля искусств РСФСР, лауреата Государственной премии Алексея Алексеевича Муравлева приобрело известность в 50-е годы. Первым сочинением, получившим широкий общественный резонанс в нашей стране и за рубежом, стала симфоническая поэма «Азов-гора» — масштабное полотно, запечатлевшее близкие композитору образы седого Урала, его истории, легенд, его сильных духом людей.<br />Воспитанник музыкальной школы-десятилетки при Ленинградской консерватории, а затем Свердловской и Московской консерваторий, Алексей Муравлев учился в классах таких замечательных музыкантов, как В. Шебалин, Ю. Шапорин (композиция), Г. Нейгауз, Н. Голубовская (фортепиано) и другие. Столь серьезное образование в сочетании с редкой природной музыкальной одаренностью дало возможность А. Муравлеву рано постичь тайны композиторского мастерства. В 1942 году, будучи еще восемнадцатилетним юношей, он вступает в Союз композиторов.<br />Сочинения, создаваемые композитором, разнообразны как в жанровом отношении, так и в плане их содержания. Близка А. Муравлеву и высокогражданственная тематика, воплощенная им в целом ряде ораториально-симфонических, хоровых и оркестровых сочинений, и интимная, сокровенная лирика, высвечивающая тончайшие движения человеческой души, — лирика, которой дышат камерные вокальные и инструментальные опусы А. Муравлева, которая является одной из неотразимо обаятельных черт его музыки. Другая грань таланта А. Муравлева остроумие, изобретательность, живость. Его характерные и фантастические образы переданы с захватывающей яркостью. Стилю композитора свойственны также драматизм, сочетание простоты и ясности изложения мысли с глубиной ее философского подтекста. Но самое характерное, что придает особенную самобытность музыке А. Муравлева, — это сочетание истинно национальных истоков с изысканностью формы, рафинированностью. Стройность, гармоничность, цельность музыкальных построений, шлифовка деталей одинаково свойственны композитору и в его работе над песнями (вспомним, например, «Зимнюю колыбельную», «Байкал, Байкал», «Песню о березке», Песню Сережи из кинофильма «Белый пудель»), и при создании таких значительных сочинений, как Концерт для дуэта гуслей с оркестром русских народных инструментов, соч. 14 или Соната для фортепиано, соч. 18. В красоте и выразительности мелодий А. Муравлев продолжает лучшие традиции русской и советской музыки с ее интонационным богатством, опорой на фольклорную основу.<br />Фортепианные сочинения А. Муравлева популярны не только среди профессиональных музыкантов, но и среди широкого круга любителей музыки. Они приобрели заслуженную известность не только благодаря красоте самой музыки, значительности ее образов, переданных средствами современного музыкального языка, но также из-за удобства, пианистичности фактурного изложения. Будучи доступными, но тонкими, эти сочинения заинтересовывают и студентов-пианистов, и зрелых мастеров. «Пьесы Муравлева эстрадны в лучшем смысле этого слова, по-настоящему концертны, — писал профессор Московской консерватории Ю. Янкелевич. — Собственно виртуозное начало в них не становится самодовлеющим, напротив, композитор подчеркивает, скорее, мелодическую природу инструмента».<br />«Сказы», cоч. 5 (пять характерных пьес) созданы в 1946 году по мотивам «Уральских сказов» П. Бажова. За это произведение, высоко оцененное Н. Мясковским, молодой Муравлев был удостоен I премии на I Всемирном фестивале демократической, молодежи и студентов в Праге. Древние образы русского эпоса интерпретируются автором глубоко современно; будто живые, проходят перед глазами картины родной природы, фантастические видения, «портреты» то празднично-оживленных, то погруженных в скорбное раздумье людей, жестокое вражеское нашествие и возрождение отчего края.<br />Элегия из музыки к кинофильму «Дом с мезонином» (1960 г.) — сочинение сугубо камерное, интимное, с легким, специально воссозданным колоритом чуть сентиментальных, щемящей лирики чеховских времен. Здесь композитор выступает перед нами как истинный мастер «музыкального прочтения» литературных сюжетов; автор музыки к более чем ста кинолентам (среди которых такие, как «Белый пудель», «Удивительная история, похожая на сказку», «Василий и Василиса», «Волшебная лампа Аладдина», «Крах» и др.), А. Муравлев не только проникает в самую суть сюжета, «высвечивая изнутри» эмоциональное ощущение героев, но и с кинематографической живостью и лаконизмом рисует их жесты, движения. Вся пьеса нарисована легкими красками, звучит нежно и приглушенно, как «тихого голоса звуки любимые». Пьесе композитор предпослал следующий эпиграф: «...В минуты, когда меня томит одиночество и мне грустно, я вспоминаю смутно, и мало-помалу мне почему-то начинает казаться, что обо мне тоже вспоминают, меня ждут и что мы встретимся... Мисюсь, где ты?» (А. Чехов. «Дом с мезонином»).<br />Русское скерцо, соч. 6, посвященное 30-летию ВЛКСМ, — одна из самых популярных пьес Муравлева, полная жизненной силы, нарядного блеска, огненного молодого задора и темпераментных танцевальных ритмов. Близость русским народным музыкальным истокам в сочетании со свежестью гармоний и мелодических оборотов придают музыке особенную напористость, энергию и в то же время естественность, непосредственность. В веселом танце мелькают и юношеские, и девичьи лица, слышны шутки и смех.<br />Три пьесы, соч. 15 в полной мере отразили дальнейшие поиски композитора в сфере лаконизма, емкости музыкальных образов. Совершенно различные по содержанию, пьесы триптиха и контрастируют, и гармонируют между собой. «Новеллетта» своими повествовательными мотивами рассказывает нам романтичекую историю, полную таинственной прелести, опасных чар, завлекающих в заколдованное царство. Пьесе предпослан эпиграф из известной баллады А. К. Толстого:<br />«Где гнутся над омутом лозы,<br />Где летнее солнце печет,<br />Летают и пляшут стрекозы,<br />Веселый ведут хоровод...»<br />«Пастораль» открывает перед нами светлый, величественный пейзаж. Слышны отдаленные наигрыши пастушьего рожка, изредка откуда-то доносятся звуки колокола. Музыка оставляет ощущение простора, далекой перспективы, пространств, залитых светом, наполненных прозрачным воздухом и покоем. «Шествие» резко контрастирует с первыми пьесами. Зловещие образы, неотвратимо приближающиеся, сменяются драматичной картиной глубокой, жгучей скорби; впечатляет патетика кульминационного раздела пьесы.<br />* * *<br />Заслуженный артист РСФСР, лауреат Всесоюзного и международных конкурсов Юрий Алексеевич Муравлев завоевал широкую известность в стране и за рубежом. Ученик выдающегося советского пианиста и педагога Г. Нейгауза, он с равным мастерством и убедительностью исполняет произведения Моцарта, Грига, Шопена, Скрябина, Прокофьева и других композиторов. Главными чертами творческой индивидуальности пианиста являются искренность, лиризм и поэтичность.<br />«Его исполнение благородно, одухотворенно и отмечено чистотой и возвышенностью поэтического чувства» («Вечерний Ленинград», 19 апреля 1978 г.).<br />«Поэты и мечтатели не столь уж частое явление на нашей концертной эстраде. Тем большая наша благодарность артисту за его искусство» («Советская музыка», 1971 г., № 8).<br />В. Астрова <br /><br /><br /><br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-28898329424287699692018-06-20T21:58:00.001+05:002018-06-29T14:44:19.542+05:00W.A.Mozart - Симфония №39, Стравинский - Аполлон Мусагет - Дирижирует Евгений Мравинский (1965)(Мелодия СМ 02855-56)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-lY9o65E-_L0/WyqHPeTR5TI/AAAAAAAAAiU/ZJfveE4bmlYhYqLKX40uU0kIxRNRHAnFgCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-lY9o65E-_L0/WyqHPeTR5TI/AAAAAAAAAiU/ZJfveE4bmlYhYqLKX40uU0kIxRNRHAnFgCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
1 сторона<br />
В. МОЦАРТ<br />
СИМФОНИЯ № 39 ми бемоль мажор, К. 543<br />
<br />
1. Adagio. Allegro 2. Andante 3. Menuetto. Allegretto 4. Finale. Allegro<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/L3P3ZEsUT_w/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/L3P3ZEsUT_w?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
<br />
2 сторонa<br />
Игорь Стравинский<br />
АПОЛЛОН МУСАГЕТ. Музыка балета, соч. 1928 г., редакция 1947 г.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/jusiZlv_r7o/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/jusiZlv_r7o?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
<br />
Рождение Аполлона. Вариации Аполлона. Па д'аксьон (Аполлон и музы) Вариация Каллиопы, вариация Полигимнии, вариация Терпсихоры. Вариация Аполлона Па-де-де (Аполлон и Терпсихора). Кода (Аполлон и музы). Апофеоз<br />
<br />
Заслуженный коллектив республики Симфонический оркестр Ленинградской государственной филармонии <br />
Дирижер Евгений. Мравинский<br />
Запись из Большого зала консерватории. Москва, февраль 1965 г. <br />
<br />
Симфонический оркестр Ленинградской государственной филармонии — коллектив, чье искусство получило признание не только в Советском Союзе, но и во многих странах мира. В 20-е и 30-е годы оркестр уже приобрел известность среди широкой аудитории советских слушателей, а в 1934 году ему было присвоено звание заслуженного коллектива Республики. Расцвет творческой деятельности оркестра связан с деятельностью дирижера Евгения Мравинского. Евгений Мравинский является первым исполнителем и глубоким интерпретатором почти всех симфонических произведений Д. Шостаковича. Исполнение им Пятой симфонии этого , выдающегося советского композитора (1937 г.) было не только одним из значительных творческих достижений дирижера, но событием музыкальной жизни страны.<br />
«Мравинский — один из лучших дирижеров, с какими мне приходилось когда- либо встречаться», — писал о нем Д. Шостакович.<br />
Музыкальное образование Е. Мравинский получил в Ленинградской консерватории, которую окончил в 1930 году по двум специальностям: композиции (у профессора В. Щербачева) и дирижирования (у профессора А. Гаука).<br />
В качестве дирижера он дебютировал еще в 1929 году. С 1931 года Мравинский возглавлял оркестр Государственного академического театра оперы и балета в Ленинграде (ныне театр им. С. М. Кирова), а с 1938 года, завоевав первое место на Всесоюзном конкурсе дирижеров, является главным дирижером и художественным руководителем симфонического оркестра Ленинградской государственной филармонии.<br />
В 1961 году Евгений Мравинский был удостоен за концертно-исполнительскую деятельность Ленинской премии.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-14935587910952959592018-06-20T00:59:00.002+05:002018-06-20T00:59:44.159+05:00Гаэтано Доницетти - Колокольчик (комическая опера)(1981)(Мелодия С10 17323-4)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-uBFItQ1nAD4/Wylf_0dgbKI/AAAAAAAAAiI/t4xxvrKweDYjSG4rXtWu3Q-IP8MPiJgMgCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-uBFItQ1nAD4/Wylf_0dgbKI/AAAAAAAAAiI/t4xxvrKweDYjSG4rXtWu3Q-IP8MPiJgMgCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
Серафина – Софья Ялышева, сопрано,<br />Мадам Роза – Таисия Кузнецова, меццо-сопрано<br />Энрике – Сергей Лейферкус, баритон<br />Дон Аннибале – Андрей Храмцов, баритон<br />Слуга – Михаил Егоров, тенор<br />Камерный хор и оркестр Ленинградского академического театра оперы и балета имени С.М.Кирова. <br />Хормейстер Александр Тютрин<br />Дирижёр Роберт Лютер<br /><br />Либретто автора. <br />Русский текст Ю.Димитрина<br /><br />Ленинградская студия грамзаписи. Запись 1981 г.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/0iUGvbxXKks/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/0iUGvbxXKks?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br /><br />Гаэтано Доницетти — один из популярнейших итальянских композиторов первой половины XIX века, автор около семидесяти опер различных жанров. Среди них встречаются незамысловатые одноактные фарсы, либретто которых принадлежит самому композитору. К их числу относится и «Колокольчик» («Ночной звонок», «Колокольчик аптекаря»), написанный в наиболее тяжелый период жизни Доницетти, когда на протяжении трех месяцев он потерял отца, мать и новорожденного ребенка. Опера была создана в пользу трех знаменитых певцов, оставшихся без заработка после банкротства импресарио. С успехом поставленная 7 июня 1836 года в неаполитанском театре «Нуово», опера в следующем году была поставлена в Лондоне, а в 1854 году — итальянской труппой в Петербурге. После этого «Колокольчик» был надолго забыт в нашей стране; лишь спустя сто двадцать лет он был поставлен в Риге на итальянском языке.<br />В 1979 году молодые артисты Ленинградского театра оперы и балета имени Кирова создали ансамбль «Камерная опера» (дирижер Р. Лютер, режиссер Ю. Александров), первой постановкой которого стали пастораль «Королева мая» К. В. Глюка и «Колокольчик» Г. Доницетти. Ленинградский либреттист Ю. Димитрин написал русский текст, потребовавший и некоторых изменений в музыке. Переставлен галоп: если у автора он звучит в начале оперы, то в спектакле — в Финале, символизируя счастливую развязку, подчеркнутую введением вокальных реплик.<br />Сюжет «Колокольчика» близок многим итальянским операм буффа в том числе «Севильскому цирюльнику» Дж. Россини и «Дону Ласкуале» самого Доницетти: изобретательный герой ловко дурачит старика, задумавшего жениться на молодой женщине. Опера начинается свадьбой престарелого аптекаря дона Аннибале и прелестной Серафимы, обманутой неверным красавцем Энрико. Хор гостей поздравляет новобрачных. Однако всю ночь у дверей звонит колокольчик, призывая аптекаря к выполнению его профессиональных обязанностей: это Энрико, легкомысленный и неотразимый любимец женщин, оскорбленный замужеством Серафины, осуществляет свой план мести. Вначале он предстает в облике подвыпившего французского офицера, собравшегося жениться и требующего пить за его невесту всех гостей дона Аннибале. Затем является внезапно охрипшим премьером опёртого театра, требующим, чтобы аптекарь срочно вылечил его. Выпив приготовленную микстуру, Энрико пробует голос и, убедившись в выздоровлении, запевает баркаролу. Последнее превращение Энрико — в престарелую поклонницу модного певца, которая настойчиво умоляет дона Аннибале дать ей возможность познакомиться со своим кумиром. Заканчивается ночной переполох рано утром: не сомкнувший глаз аптекарь при очередном звонке в дверь обнаруживает на пороге свою первую жену Розу, которую он считал умершей. Чтобы избежать обвинений в двоеженстве, дон Аннибале с легкостью отрекается от какого бы то ни было знакомства с Серафиной, и Энрико немедленно объявляет ее своей законной супругой. Гости танцуют на новой свадьбе и пьют за счастье новобрачных.<br />Семь вокальных номеров — соло, Дуэты, ансамбль и хор — разделены речитативами в сопровождении клавесина, как это было принято в итальянской опере еще в XVII—XVIII веках. Основное место занимают арии и дуэты; хор и небольшой ансамбль— также по давней итальянской традиции — только обрамляют оперу, образуя интродукцию и финал (последний не случайно обозначен композитором как терцеттино — маленький терцет). Преобладают стремительные комические скороговорки, и лишь в некоторых номерах появляются блестящие. виртуозные мелодии, которыми так славился Доницетти. Краткая оркестровая прелюдия вводит в хор гостей, напоминающий праздничный, торжественный полонез. Каватина дона Аннибале, мечтающего о счастливой семейной жизни, состоит из двух частей — первая в духе марша, вторая близка скороговорке.<br />Дуэт Энрико и Серафины, полный упреков и взаимных обвинений, окрашен в иронические тона; даже привычные для итальянской оперы виртуозные каденции приобретают пародийный характер. Застольная Энрико, переодетого французским офицером, написана в ритме быстрого вальса, где солиста подхватывает хор.<br />Наиболее развернутый номер оперы — дуэт Энрико, переодетого певцом, и дона Аннибале, который лечит его от хрипоты: в начальном разделе преобладает декламационность, в центре — певучая баркарола Энрико с плавным, покачивающимся ритмом, а заключительный раздел насыщен стремительным движением. В дуэте Энрико в роли старухи и дона Аннибале комическая скороговорка господствует полностью.<br />Краткий галоп (объяснение дона Аннибале со своей первой женой) предшествует финальному ансамблю всех участников спектакля: здесь впервые царит медленная, певучая, лирическая мелодия, щедро расцвеченная фиоритурами.<br />А, Кенигсберг<br /><br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-264710093301000862018-05-08T00:48:00.002+05:002018-05-08T00:48:58.715+05:00Сергей Рахманинов - Концерт №4 G-moll для ф-но c орекстром, Рапсодия На Тему Паганини Соч. 43 (Мелодия Д 04654)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-kWUDvLidqZ0/WvCtCdKiQgI/AAAAAAAAAhk/1y9VYzmau2gKd8761lsj9RK9OtItddJ-gCLcBGAs/s1600/%25D0%25A1.%25D0%25A0%25D0%25B0%25D1%2585%25D0%25BC%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25B8%25D0%25BD%25D0%25BE%25D0%25B2%2B-%2B%25D0%259A%25D0%25BE%25D0%25BD%25D1%2586%25D0%25B5%25D1%2580%25D1%2582%2B%25E2%2584%25964%2BG-moll%2B%25D0%25B4%25D0%25BB%25D1%258F%2B%25D1%2584-%25D0%25BD%25D0%25BE%2Bc%2B%25D0%25BE%25D1%2580%25D0%25B5%25D0%25BA%25D1%2581%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BC%2B.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1572" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-kWUDvLidqZ0/WvCtCdKiQgI/AAAAAAAAAhk/1y9VYzmau2gKd8761lsj9RK9OtItddJ-gCLcBGAs/s320/%25D0%25A1.%25D0%25A0%25D0%25B0%25D1%2585%25D0%25BC%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25B8%25D0%25BD%25D0%25BE%25D0%25B2%2B-%2B%25D0%259A%25D0%25BE%25D0%25BD%25D1%2586%25D0%25B5%25D1%2580%25D1%2582%2B%25E2%2584%25964%2BG-moll%2B%25D0%25B4%25D0%25BB%25D1%258F%2B%25D1%2584-%25D0%25BD%25D0%25BE%2Bc%2B%25D0%25BE%25D1%2580%25D0%25B5%25D0%25BA%25D1%2581%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BC%2B.jpg" width="314" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
01. Concerto No.4 for Piano and Orchestra in G minor, op.40<br /><br />Сергей Рахманинов - piano<br />Philadelphia Orchestra<br />Eugene Ormandy - conductor<br /><br />record December 20th, 1941<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/hmAp2ytVuUc/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/hmAp2ytVuUc?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />02. Rhapsody on Pagnini's Theme, op.43<br /><br />Сергей Рахманинов - piano<br />Philadelphia Orchestra<br />Leopold Stokowski - conductor <br /><br />record December 24th, 1934<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/ITNAepSXbfU/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/ITNAepSXbfU?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br /><br /><br />Концерт №4 соль минор для фортепиано с оркестром, посвященной Н. К. Метнеру, создавался на протяжении многих лет (1014—1926). Впервые он был исполнен 18 мая 1927 года автором под управлением Л. Стоковского (Филадельфия). В дальнейшем произведение неоднократно перерабатывалось. Премьера концерта в окончательной редакции состоялась 17 октября того же года в Филадельфии , исполняли автор и Филадельфийский оркестр под управлением Ю. Орманди.<br />Первая часть (Allegro vivace) начинается обычной для Рахманинова широкой патетической темой. Сопоставленная с ней вторая тема своим прихотливым мелодическим узором, изысканными гармониями и прозрачным изложением дает почувствовать некоторые черты позднего рахманиновского стиля. Благодаря этому, контраст мужественно-волевого и нежно-лирического образов (типичный и для предшествующих концертов Рахманинова) усиливается. В среднем разделе первой части драматический подъем приводит к торжественным мажорным фразам, как бы утверждающим победу неукротимого, беспокойного «духа исканий». Вслед за этим появляется варьированная вторая тема. Небольшая заключительная часть (заменяющая репризу) возвращает нас к первоначальной широкой мелодии, которая звучит теперь элегически мечтательно и умиротворенно.<br />Вторая часть — Largo. В музыке сдержанного и несколько сумрачного характера ощущается богатство эмоциональных оттенков: то скрытая нежность, то вспышки драматизма, то грусть воспоминаний. Но во всей части господствует мерное, единообразное движение, которое по верному замечанию Н. Метнера напоминает шествие.<br />Главная тема финала (Allegro vivace) соединяет в себе праздничный блеск и саркастическую насмешливость. С ней сопоставлен другой, типично рахманиновский образ — романтически пылкое утверждение красоты жизни. В финале стиль позднего Рахманинова проявляется в обилии острых, «токкатных» звучностей, в поразительном разнообразии и неисчерпаемой изобретательности фортепианного изложения.<br />Рапсодия ля минор на тему Паганини для фортепиано с оркестром (1934) была создана за короткий срок. С. А. Сатина, близкая родственница Рахманинова, вспоминая о процессе создания Рапсодии, пишет: «Быстрота и легкость, с которой Сергей Васильевич сочинил и инструментировал эту вещь (семь недель), ее свежесть и вдохновенность показывают, как крепок и здоров был творческий дух в композиторе, достигшем шестидесяти одного года». Первое исполнение Рапсодии состоялось в ноябре 1934 года в Балтиморе, исполняли автор и Филадельфийский оркестр под управлением Л. Стоковского.<br />В основу Рапсодии положена тема знаменитого паганиниевского каприса № 24 ля минор, который в свое время был блестяще разработан Листом и Брамсом. Рахманинов развивает тему в форме большого цикла вариаций; их характер, последовательность и группировку он подчиняет глубокому драматургическому замыслу. Об этом замысле отчасти свидетельствует письмо композитора к балетмейстеру М. Фокину в связи с намерением последнего сочинить на музыку Рапсодии балет. Рахманинов предлагает «оживить легенду о Паганини» — легенду, по которой драма и гибель великого скрипача объяснялась вмешательством «нечистой силы», завладевшей душой артиста. Неправильно было бы, однако, сводить содержание Рапсодии к этой конкретной программе, появление которой вызвано было прежде всего проектом балетного спектакля и желанием создать театрально-эффектный сюжет. Если исходить из музыки а также из типичных для Рахманинова идейных концепций, возможно, и это естественнее всего, более обобщенное истолкование Рапсодии. Музыка рисует трагедию артистически богатой личности. Ее жажде красоты, духовной свободы и могучему расцвету противостоит непобедимая злая сила; герой гибнет в единоборстве с этой силой, но его трагедия, его борьба говорят о величайшей ценности жизни, о могучей красоте романтических чувств и порывов.<br />Вариации I—IV — начальный этап развития главного образа. Уже здесь кипучая, полная жизненной энергии тема Паганини омрачается зловещим предчувствиями. В VII вариации появляется тема средневекового напева Dies irae (здесь, как и в некоторых других произведениях Рахманинова, она символизирует роковую власть смерти). Вторжение этой темы предопределяет более мрачную окраску следующих вариаций (VII—X). Вариацию XI автор определяет как начало новой группы образов: здесь, по его словам, «переход в любовную область». Прозрачная, точно овеянная волшебным светом, музыка этой вариации служит введением к сдержанно лирическому менуэту (XII)—«первому появлению женщины». Музыка, то ликующая, то тревожно-сосредоточенная, приводит к лирической кульминации всего произведении — мелодически широкой XVIII вариации. Следующая XIX вариация, по словам автора,— «торжество искусства Паганини, его дй польское пиццикато». Вариации XX—XXIV, в которых осе более усиливаются зловещие мотивы, рисуют моменты высшего драматического напряжения и гибель героя.<br />Д. Житомирский<br />Сергею Рахманинову, русскому музыканту, в котором огромный творческий дар сочетался с блистательным талантом исполнителя, однажды был задай вопрос: кто является лучшим интерпретатором музыки — композитор или исполнитель? «Я затрудняюсь дать определенный ответ па этот вопрос,— сказал Рахманинов.— Может быть, есть основание предпочитать исполнение композитора-интерпретатора исполнению артиста, обладающего чисто исполнительским талан том, но я не считаю возможным категорически утверждать, что это неизменно бывает так или иначе, несмотря на факт, что два величайших пианиста — Лист и Рубинштейн — оба были композиторами. Что касается меня самого, — продолжал Рахманинов, — я чувствую, что если я интерпретирую свои собственные сочинения не так, как сочинения других. То это только потому, что свою музыку я знаю лучше. В качестве композитора я так много думал над ней, что она стала частью меля самого. . .<br />Признание затрагивает самую суть вопроса. Автор скорее других может передать свое произведение во всей полноте его художественной эстетической ценности, приблизить нас к нему. К тому же у композитора-интерпретатора есть два очень важных свойства, которые далеко не в такой степени присущи артисту-исполннтелю. Первое на них — фантазия. «Я не хочу сказать, — пояснил Рахманинов, — что у артиста- интерпретатора нет фантазии, но вполне обоснованно предполагать, что композитор обладает большим даром фантазии, потому-что он должен сперва воображать, а потом творить и воображать с такой силой, что прежде, чем будет написана хотя бы одна нота, конкретная картина всего произведения должна ясно представиться ему. Его законченная композиция является воссозданием сущности этой картины в музыке».<br />Второе, не менее важное свойство композитор интерпретатора — обостренное восприятие звукового колорита: каким бы прекрасным музыкантом ни был исполнитель, он никогда не может обладать талантом ощущения и воспроизведения оттенков музыкального колорита в той степени, в какой «по праву рождения владеет композитор» (Рахманинов).<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-12022871296763980272018-05-07T18:52:00.000+05:002018-05-07T18:52:32.339+05:00Сергей Рахманинов, Сергей Прокофьев - играет Святослав Рихтер (1973)(Мелодия СМ 04289-90)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-7KiU9wVuJ4Y/WvBYWnyOyMI/AAAAAAAAAhE/Bfm9xxDBXtwrHOOUXaH3W4XCG7qoCq9wACLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-7KiU9wVuJ4Y/WvBYWnyOyMI/AAAAAAAAAhE/Bfm9xxDBXtwrHOOUXaH3W4XCG7qoCq9wACLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
Сергей Рахманинов (1873–1943)<br />Концерт № 1 для фортепиано с оркестром, фа диез минор, соч. 1<br />1. Vivace<br />2. Andante<br />3. Allegro vivace<br /><br />Большой симфонический оркестр Всесоюзного радио. <br />Дирижёр Курт Зандерлинг<br /><br />Запись 1955 г.<br /><br />Сергей Прокофьев (1891–1953)<br />Концерт № 1 для фортепиано с оркестром, ре бемоль мажор, соч. 10<br /><br />Московский симфонический оркестр. <br />Дирижёр Кирилл Кондрашин<br /><br />Запись 1952 г.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/oX1PRM1pyC8/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/oX1PRM1pyC8?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br /><br />Народный артист СССР, лауреат Ленинской премии Святослав Рихтер родился 20 марта 1915 года в г. Житомире. Юность его прошла в Одессе. В 1937 году он переехал в Москву и поступил в консерваторию в класс профессора Г. Г. Нейгауза. Уже отдельные выступления Рихтера на студенческих концертах (в частности исполнение Фантазии до-мажор Шуберта, Сонаты си минор Листа, прелюдий Дебюсси) показали, что в его лице растет пианист необычайного размаха.<br />В 1947 году Рихтер блестяще оканчивает консерваторию, уже завоевав популярность выдающегося пианиста с огромным репертуаром. Программы его концертов, проходящих в нашей стране и за рубежом, включают почти все богатство мировой фортепианной музыки. Но особое внимание пианиста привлекают Бах, Моцарт, Бетховен, Шуман, Шуберт, Лист, Дебюсси, Барток, из русских композиторов — Мусоргский, Рахманинов, Прокофьев.<br />Исполнительская деятельность Святослава Рихтера — крупнейшее явление музыкального искусства современности. Артист исключительной эрудиции, глубины, воли, фантазии, он, по словам одной из английских газет, «принадлежит к тому разряду музыкантов, которые пролегают новые пути в развитии искусства».<br />Первый фортепианный концерт (фа диез минор) С. В. Рахманинов сочинил в 1891 году, еще будучи учеником Московской консерватории. 17 марта 1892 года он сыграл первую часть этого концерта на вечере в сопровождении ученического оркестра под управлением Василия Сафонова. «Помню, — рассказывает академик А. В. Оссовский, — тот страстный, бурный встряхнувший весь концертный зал порыв, с которым, после двух тактов оркестрового унисона, Рахманинов яростно набросился на клавиатуру рояля со стремительным потоком октав в предельном фортиссимо. Сразу властно захватив слушателя, Рахманинов держал уже его в неослабном внимании до самого конца исполнения...».<br />В 1917 году Рахманинов, редко возвращавшийся к ранее написанным произведениям, сделал новую, «брильянтовую», — по удачному выражению Б. В. Асафьева, — редакцию Первого, фортепианного концерта. Концерт посвящен А. И. Зилоти — учителю и другу Рахманинова.<br />В концерте три части.<br />Первая часть (Vivace), написанная в традиционной форме сонатного allegro, начинается увлекательным, энергичным и эффектным вступлением солирующего фортепиано. Это вступление оттеняет страстную взволнованность главной темы. Побочная партия развивает лирические настроения и образы. Заканчивается часть грандиозной монументальной каденцией, после которой идет быстрая, стремительная кода.<br />Вторая часть (Andants) носит типично русский лирически-пейзажный характер. Сосредоточенное, суровое вступление предшествует несколько элегичной основной теме.<br />Третья часть (Allegro vivace), праздничная, стремительная по динамике, с острой сменой метроритмов, утверждает свойственное всему концерту порывистое движение вперед. В блестящем завершении концерта — мужественная энергия, чувство радости, ликования.<br />В сентябре 1911 года Н. Я. Мясковский сообщал московским друзьям: «Прокофьев работает над прелестным, бодрым и звучным концертино для фортепиано и оркестра, фортепианная партия которого очень необычна и трудна, но в материале масса свежести и увлекательности». В процессе работы первоначальный замысел разросся, и вместо концертино получился одночастный концерт для фортепиано с оркестром. К зиме произведение было готово, а 25 июля 1912 года С. С. Прокофьев сыграл Первый концерт в Московском Народном доме (оркестром дирижировал К. Сараджев). Через неделю, 3 августа 1912 года концерт был исполнен автором в Петербурге (дирижер А. Асланов).<br />Обе премьеры прошли блестяще. Молодой композитор покорил аудиторию волевым, динамичным характером исполнения и свежестью музыки. Как писал В. Каратыгин, в концерте «все время ключом бьет жизнь, сверкает солнце живой фантазии».<br />Первый фортепианный концерт (ре бемоль мажор, соч. 10) явился своеобразной творческой декларацией молодого Прокофьева. Сам автор считал его «первым более или менее зрелым сочинением, поскольку в нем есть и замысел и выполнение» (речь шла, во-первых, о приемах сочетания фортепиано с оркестром, во-вторых, — об оригинальной трактовке одночастной «поэмной» структуры). В этом произведении ярко представлен самобытный прокофьевский пианизм, сочетающий массивную аккордово-октавную технику со сложнейшей «акробатикой» скачков и бисерными пассажами. В концерте впервые были объединены в цельной драматургически развитой форме типичные образы прокофьевской музыки: упругость и стремительная динамика моторных и танцевальных тем (вступление и главная партия), нервно-напряженная экспрессия (побочная партия), чистый мечтательный лиризм (средний медленный эпизод).Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-38255239051047128642018-05-07T18:35:00.003+05:002018-05-07T18:36:32.251+05:00Сергей Рахманинов - Концерт №1, №2 для ф-но с оркестром (1939, 1929)(1969)(Мелодия Д 026285-86)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-xMi06gh-Jw8/WvBV8wgYtlI/AAAAAAAAAg0/DN2hyqKC7LI8126-qyXoAX8WyNkEmImawCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-xMi06gh-Jw8/WvBV8wgYtlI/AAAAAAAAAg0/DN2hyqKC7LI8126-qyXoAX8WyNkEmImawCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
<span id="goog_1494912175"></span><span id="goog_1494912176"></span><br />
<span id="goog_1494912175"></span><span id="goog_1494912176"></span>01. Концерт № 1 для ф-но с оркестром фа диез минор<br />
<br />
The Philadelphia Orchestra<br />
Eugene Ormandy<br />
<br />
Запись 4.XII. 1939 г. и 24. II. 1940 г.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/Pa3OebAXJAA/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/Pa3OebAXJAA?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
<br />
02. Концерт № 2 для ф-но с оркестром до минор<br />
<br />
The Philadelphia Orchestra<br />
Leopold Stokowski<br />
<br />
Запись 10 и 13. IV. 1929 г.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/orM6YJY-Zzo/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/orM6YJY-Zzo?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-65759504728313705492018-05-05T00:02:00.002+05:002018-05-05T00:02:57.304+05:00Сергей Рахманинов - Концерт №2 для ф-но с оркестром до минор, соч. 18 (1982)(Мелодия С10 17697 009)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-eh2KCuUEAeg/WuyuAyw4ebI/AAAAAAAAAfQ/x21o55K2a7g7eDm4F4uUcM7u1Hau0ntOwCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-eh2KCuUEAeg/WuyuAyw4ebI/AAAAAAAAAfQ/x21o55K2a7g7eDm4F4uUcM7u1Hau0ntOwCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
Сергей Рахманинов (1873 — 1943)<br /><br />Концерт №2 для ф-но с оркестром до минор, соч. 18<br /><br /><br />Сторона 1<br />1. Moderate - 9.33 <br />2. Adagio sostenuto - 11.08<br />Сторона 2 <br />3. Allegro scherisndo - 10.47<br /><br />Виктор Ересько<br />Государственный академический симфонический оркестр СССР <br />Дирижер Александр Лазарев<br /><br />Звукорежиссер В. Иванов. Редактор Н. Захарьев<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i9.ytimg.com/vi/l9PJzrJE6iA/default.jpg?sqp=CLDbstcF&rs=AOn4CLCa2wLHLFVNs1pBmj4_L9KHDykxjQ" src="https://www.youtube.com/embed/l9PJzrJE6iA?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br /><br />Виктор Ересько — лауреат международных конкурсов пап Маргариты Лонг в Петра Чайковского — принадлежит к тем пианистам, творчество которых не замыкается на пристрастия к небольшому кругу композиторских имен. С первых дней исполнительской деятельности, которая началась еще в годы учебы в Московской консерватории, его манили широкие просторы музыки. Играя Чайковского, Мусоргского, Прокофьева. Свиридова, Моцарта, Шуберта, Листа, Дебюсси, Равеля, он как бы утверждал свое право на свойственную юности любознательность, стремление попробовать своя силы в неизведанном материале. Но уже тогда в нем проявилась черта, свойственная лишь подлинным артистам. Он никогда не брался за то, что каким-либо образом не соответствовало его натуре, что не отвечало в тот момент «его способности откликнуться всем сердцем навстречу новому. И если в том, что он избирал, не все удавалось ему с первых проб, то в течение последующих выступлений Виктор доводил исполнение до совершенного. От ранних его концертов сохранилось впечатление эллинской стройности возводимых им звуковых композиций, пронизанных сияющим светом, звенящим полосам безудержной молодости. Искрящаяся техника, подлинный темперамент и мягкость, плавность речи, пленительная пластика фраз, и как предвестник будущих прозрений — столь несвойственное молодости понимание неизбежности утрат, способность задуматься над судьбами людей.<br />Что бы ни играл Ересько — это всегда живая речь к людям, не заимствованные «на прокат», а полноценные чувства. Искренность, естественность, правдивость, пожалуй, самые драгоценные качества пианиста, столь ярко проявившиеся в молодости, не изменяли ему никогда.<br />В 1973 году к 100-летию со дня рождения Сергея Васильевича Рахманинова Ересько исполнил в Доме ученых в четырех концертах все его фортепианные сочинения, и стало ясно что перед нами пианист, которому дано так понять Рахманинова кому мало удавалось.<br />Как захватывающе интересно было на этих четырех концертах следить за ростом художественного самосознания Рахманинова, начиная от юношеских опусов, таких бесхитростных и откровенно искренних, ко все более сложным поздним сочинениям. Следить за становлением стиля композитора, его выразительных средств, развитием его мелодики, гармония, полифонической фактуры. Ересько уверенно вел нас от опуса к опусу, показывая могучий рост гения, оставшегося верным на протяжения всей жизни своим русским корням.<br />Рахманинов стал стержнем творчества Ересько. Постигая его, он постигал сам себя в мучительном процесса ежедневной, такой трудной борьбы с сопротивлением «собственного материала», инерцией слуха, штампа. Благодаря Рахманинову пианист обрел высшее пианистическое мастерство и заставил инструмент «отвечать» себе, овладев секретом рахманиновских звонов, его нескончаемой мелодией, пронизывающей всю ткань сочинения, его длительных эмоциональных нарастаний с их ощущением неизбывности жизни, сплетением былинности и импрессионизма, мрачности, трагизма, эпической мощи, необузданной стихийной силы с тоской истерзанного страданиями сердца.<br />Г.Гуляева<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-81870541323570422382018-05-03T21:19:00.000+05:002018-05-03T21:19:17.975+05:00Сергей Рахманинов - Концерт №3 для фортепиано с оркестром ре минор, соч. 30 (1976)(Мелодия С10 07661-62)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-3fagdPPWZN8/Wus2IbRF7iI/AAAAAAAAAfA/iGvxPsypVlYFWQNyxY7Z4VesRde7xzdcACLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-3fagdPPWZN8/Wus2IbRF7iI/AAAAAAAAAfA/iGvxPsypVlYFWQNyxY7Z4VesRde7xzdcACLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
Сергей Рахманинов (1873 — 1943)<br /><br />Концерт №3 для фортепиано с оркестром ре минор, соч. 30<br /><br />1. Allegro та non tanto <br />2. Intermezzo, Adagio <br />3. Finale, Alla breve <br /><br />Андрей Гаврилов - фортепиано<br />ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ СИМФОНИЧЕСКИЙ ОРКЕСТР СССР <br />Дирижер Александр Лазарев<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/CTNsRv-A90k/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/CTNsRv-A90k?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />
<br />Третьей концерт написан С. В. Рахманиновым в последний год летнего пребывания в Дрездене (1907 — 1909). Эти годы добровольного отстранение от пианистической и дирижерской деятельности были особенно плодотворными . В Дрездене, кроме нового концерта, С Рахманиновым были созданы Вторая симфония и симфоническая поэма «Острое мертвых». Окончательную отделку партитуры Концерта композитор завершил летом (1909 годе в своем имении Ивановка а Тамбовской губернии. ) Осенью этого же года 28 ноября С. Рахманинов впервые играл новый концерт в Нью-Йорке, во время своего первого концертного турне по США. Премьерой дирижировал Вальтер Демрош. Второе исполнение Третьего концерта состоялось тоже в Нью-Йорке. На этот раз за пультом стоял Густав Малер.<br />Русская публика впервые услышала новый шедевр Рахманинова в авторском исполнений 4 апреля 1910 года в Москве. Дирижировал Е. Плотников.<br />Между Вторым и Третьим концертами много общего. Оба захватывают слушателя огромной эмоциональной насыщенностью, в обоих мелодическое богатство сочетается с не меньшим богатством фортепианного стиля и высоким мастерством оркестрового письма. Вместе с тем между Вторым и Третьим концертами немало существенных различий. Во Втором концерте шире, полнее лирическая струя, а в Третьем больше внутренней собранности, энергии, драматизма, порой поднимающегося до трагедийности. В Третьем концерте динамичнее, богаче симфоническое развитие и а то же время усиливается роль пианистической виртуозности.<br /><br />По книге А. Соловцова –Рахманинов-<br />
<br />V Международный конкурс имени П. И. Чайковского снова открыл замечательное пианистическое дарование, на сей раз — это советский музыкант Андрей Гаврилов, удостоенный первой премии и золотой медали.<br />Андрей Гаврилов родился 21 сентября 1955 года в Москве в семье известного художника, лауреата Государственной и международных премий, профессора В. Н. Гаврилова. Музыкальные способности мальчика проявились очень рано. Его первой учительницей стела мать — пианистка, ученица Г. Нейгауэа. В пять лет он поступил в подготовительную группу Центральной музыкальной школы в класс педагога Т. Е. Кестнер.<br />Учеником 9-го класса школы он успешно выступил в Югославии на юбилейных торжествах Белградской музыкальной школы. В том же году исполнил с оркестром Горьковской филармонии концерт Чайковского. Удивительно, что пятнадцатилетний мальчик может с таким пониманием и любовью, так своеобразно играть этот, столько раз исполненный концерт», писала «Горьковская правда».<br />Уже при поступлении Гаврилова в Московскую консерваторию комиссия обратила внимание на его необычайный талант. «Андрей Гаврилов поражает масштабностью дарования. В нем сочетаются глубина и драматичность, теплота и лиризм и, конечно, неограниченные виртуозные возможности», — говорит профессор Л. Н. Наумов, в классе которого занимается молодой пианист.<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-63537972765441382692018-05-02T01:27:00.001+05:002018-05-02T01:27:12.668+05:00Николай Мясковский - Симфония №5 ре мажор, соч.18 (1978)(Мелодия С10 08829-30)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-BF51_H1lOOg/WujM8eAbmqI/AAAAAAAAAew/Z_YM23NaTxsULWin7v_YXfYpAzTczGsPQCLcBGAs/s1600/%25D0%259D%25D0%25B8%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25B0%25D0%25B9%2B%25D0%259C%25D1%258F%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25B2%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D0%25B9%2B-%2B%25D0%25A1%25D0%25B8%25D0%25BC%25D1%2584%25D0%25BE%25D0%25BD%25D0%25B8%25D1%258F%2B%25E2%2584%25965%2B%25D1%2580%25D0%25B5%2B%25D0%25BC%25D0%25B0%25D0%25B6%25D0%25BE%25D1%2580%252C%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D1%2587.18%2B%2B%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-BF51_H1lOOg/WujM8eAbmqI/AAAAAAAAAew/Z_YM23NaTxsULWin7v_YXfYpAzTczGsPQCLcBGAs/s320/%25D0%259D%25D0%25B8%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25BB%25D0%25B0%25D0%25B9%2B%25D0%259C%25D1%258F%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25B2%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D0%25B9%2B-%2B%25D0%25A1%25D0%25B8%25D0%25BC%25D1%2584%25D0%25BE%25D0%25BD%25D0%25B8%25D1%258F%2B%25E2%2584%25965%2B%25D1%2580%25D0%25B5%2B%25D0%25BC%25D0%25B0%25D0%25B6%25D0%25BE%25D1%2580%252C%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D1%2587.18%2B%2B%25281%2529.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
Николай Мясковский (1881-1950)<br />Симфония №5 ре мажор, соч.18<br /><br />1. Allegro amabile (11.32) <br />2. Lento (quasi andante) (10.48) <br />3. Allegro burlando (4.07) <br />4. Allegro risoiuto e con brio (9.35)<br /><br />Большой симфонический оркестр Всесоюзного радио<br />дирижер Константин Иванов<br /><br />звукорежиссер С. Пазухин<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/z4aohcOBhdI/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/z4aohcOBhdI?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />«Пожалуй, ни на ком из советских композиторов, даже самых сильных, самых ярких, не останавливается мысль с ощущением столь стройной перспективности творческого пути из живого прошлого русской музыки через бурно пульсирующее настоящее к провидениям будущего, — как на Мясковском», — писал в 1942 году Б. В. Асафьев.<br />Творческое наследие композитора огромно - 13 струнных квартетов, симфонические поэмы, увертюры, симфониетты и другие оркестровые пьесы, инструментальные концерты, десятки фортепианных сочинений, более ста романсов, песни, хоры, кантаты... Но, бесспорно, симфония была для композитора центральным жанром, средоточием его самых заветных помыслов и самых смелых исканий. И здесь прежде всего поражают масштабы, размах творчества композитора. 27 симфоний (цифра со времен Моцарта и Гайдна — уникальная в «послужном списке» композиторов), поистине, книга жизни Н. Я. Мясковского.<br />Именно в симфоническом жанре впервые заявило о себе во весь голос дарование Мясковского. «Сочинение Первой симфонии определило мой дальнейший путь. Я почувствовал, что именно в этой области буду всегда наиболее охотно высказываться», — писал спустя много лет композитор. При этом симфония привлекала Мясковского, по его собственным словам, «не как пустая лишь форма, но как естественно сложившийся организм и потому живое выявление внутренних переживаний художника».<br />Появлению Пятой симфонии, которой суждено было стать заметной вехой в творчестве Мясковского, сопутствовали обстоятельства не совсем обычные. В 1914 году, в самом начале первой мировой войны, Мясковский был призван в армию. Почти всю войну он провел на передовых позициях, командуя саперной частью. В редкие свободные минуты он отдается творчеству, набрасывая эскизы Пятой симфонии, слушает крестьянское пение.<br />«Война сильно обогатила запас моих внутренних и внешних впечатлений и вместе с тем почему-то повлияла на некоторое просветление моих музыкальных мыслей. Большинство моих музыкальных записей на фронте имело если не светлый, то все же уж гораздо более «объективный» характер (многие темы потом вошли в Пятую симфонию, причем одна — запись русинской «колядки» под Львовом)»; — читаем мы в «Автобиографических заметках» композитора.<br />Премьера Пятой симфонии (18 июля 1920 г. в Москве) — значительное событие в истории советской музыки. Впервые после Великой Октябрьской революции звучала симфоническая музыка Мясковского. Впервые публично исполнялась созданная в советское время симфония. Вслед за москвичами симфонии аплодировали в Лондоне, Филадельфии, Нью-Йорке, Вене. Симфония появилась на концертных афишах Ленинграда, Одессы, Харькова.<br />Задуманная еще до войны, «тихая» (так называл ее Мясковский в дневнике) симфония была окончена весной 1918 года. Армейский быт, общение с вчерашними крестьянами в солдатских шинелях, прикарпатские леса с их первозданной и дикой красотой, галицийские села, оказавшиеся на пути жестокой войны, — ,в жизни Мясковского все это было едва ли не единственным, но зато длительным и благодарным опытом погружения в самую гущу народной жизни, притом в ее «минуты, роковые». И это не могло не сказаться в творчестве композитора не только тотчас по окончании войны, но и в позднейшие годы.<br />В Пятой симфонии все, казалось, было ново для Мясковского. Самое начало ее — шелест леса, чарующий свирельный наигрыш, мужественная поступь сурового крестьянского напева — как это далеко от образов до военных сочинений Мясковского! Впервые «озвучены» композитором многие бытовые музыкальные жанры — протяжная песня, колыбельная, пляска, святочная колядка, марш. Но в целом светлый характер этой лирико-эпической симфонии запечатлен драматической светотенью, пронизан тревожными токами жизни.<br />Написанная в сонатной форме первая часть, Allegro amabile, открывается изумительной по красоте главной темой. Плавно скользит извилисто-текучая мелодия в светлой пасторальной тембровой окраске кларнета и флейты. Мягкий колышущийся фон струнных придает музыке настроение пленительной созерцательности. Ярко контрастирует главной теме побочная партия, более развитая динамически активная. В ее мужественном характере, вызывающем в памяти образы «богатырской» музыки кучкистов (в первую очередь Бородина), в ее суровом архаичном у складе есть что-то от древнерусских напевов, с их первозданной мощью и силой. В разработке, начинающейся подобно стремительно налетевшему вихрю, главная тема искажается до неузнаваемости. Колючее фугато построенное на ее интонациях, наталкивается в своем, казалось, неудержимом беге на непреклонно и величественно звучащую в кульминации побочную тему (начало зеркальной репризы). Возвращение пасторального наигрыша главной темы обрамляет первую часть, принося вновь покой и тишину, лишь слегка омрачаемые отзвуками пронесшейся бури.<br />Таинственно-сумрачное вступление ко второй части, Zento (quasi andante), погружает слушателя в атмосферу сдержанно-горестной лирики. Основной мелодический образ части — выдержанный в духе крестьянской колыбельной напев, «слезоточащий... сумрачный и унылый, как осенняя ночь» (характеристика, принадлежащая самому Мясковскому). Но его подлинная человечность сообщает музыке, задуманной, по признанию композитора, как картина ночи, необычайную этическую глубину. Недаром зловещее фугато (полифонический прием, излюбленный Мясковским и нередко применяемый им и в быстрых, и в медленных частях симфоний), с его жуткими видениями, словно отступает перед музыкой, полной сердечного тепла и душевного участия.<br />Стихия народной пляски господствует в скерцо, Allegro burlando, целиком выдержанном в характере жанровой игровой сцены. Интересно, что темы, сочиненные Мясковским для скерцо, и звучащая в среднем разделе галицийская колядка, записанная им на фронте, поразительно близки интонационно, являя пример подлинного постижения композитором самого духа народного творчества.<br />В финале, Allegro risoiuto е con brio, «занавес поднимается» под звуки энергичной, исполненной праздничного блеска главной темы. Но дальнейшее развитие переключает музыку в иной план. Вновь оживают драматические коллизии первой части, окрашенные на этот раз в более героические тона. Мужественная и полная сдержанной силы побочная партия, многочисленные темы-эпизоды, среди которых выделяется своим упругим пунктирным ритмом тревожная угловатая тема, открывающая разработку, — все эти музыкальные образы тесно спаяны, сжаты руслом неудержимо стремящегося звукового потока. В коде финала на гребне эмоционального и динамического нарастания величественно и властно провозглашается побочная тема из первой части, завершая симфонию суровым и эпически мощным апофеозом.<br />И. Райскин<br />Осенью 1936 года был организован Государственный симфонический оркестр СССР, который возглавил дирижер Александр Гаук. Ассистентом главного дирижера оркестра стал выпускник Московской консерватории Константин Иванов.<br />С первым самостоятельным концертом К. Иванов выступил в начале января 1938 года в Большом зале консерватории. 1938 год принес К. Иванову еще один успех: он — один из победителей Всесоюзного конкурса дирижеров. С 1946 по 1965 год К. Иванов возглавляет Государственный симфонический оркестр СССР. За эти годы оркестр обогатился молодыми талантливыми кадрами, значительно расширил репертуар и вышел на мировую арену, с блестящим успехом выступая во многих странах Европы и Америки.<br />Репертуар К. Иванова очень обширен. Наряду с лучшими образцами западной музыки, значительное место в репертуаре К. Иванова занимают русская классика и советские композиторы: Н. Мясковский, С. Прокофьев, Д. Шостакович, А. Хачатурян, Т. Хренников, В. Мурадели, Н. Пейко, Б. Шехтер, О. Тактакишвили, В. Бунин, Ф. Глонти, А. Эшпай.<br />Вершина исполнительского мастерства дирижера — интерпретация симфонического наследия Бетховена, Чайковского, Скрябина. В них с наибольшей яркостью раскрываются особенности артистической индивидуальности К. Иванова.<br />С искусством народного артиста СССР, лауреата Государственной премии Константина Иванова хорошо знакомы слушатели крупнейших городов нашей страны; он неоднократно и с большим успехом представлял нашу советскую школу и за рубежом.<br /><br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-52700204328888505212018-05-02T01:17:00.000+05:002018-05-02T01:17:27.139+05:00Дмитрий Шостакович - Гамлет, сюита из музыки к кинофильму (1966)(Мелодия Д 17691-2)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-U3-AgVbKCVI/WujK-pc-SII/AAAAAAAAAek/ilFZKw6MO4MyRY_-b9eJiESeNhp96A2_QCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-U3-AgVbKCVI/WujK-pc-SII/AAAAAAAAAek/ilFZKw6MO4MyRY_-b9eJiESeNhp96A2_QCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
Сторона 1:<br />1. Гамлет (Увертюра)<br />2. Бал во дворце<br />3. Призрак<br /><br />Сторона 2:<br />4. Дворцовая музыка<br />5. Сцена отравления (Мышеловка)<br />6. Смерть Офелии<br />7. Похороны Гамлета и финал<br /><br />Большой симфонический оркестр Всесоюзного радио<br />Дирижёр Николай Рабинович<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/ZngnFxP7Ri8/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/ZngnFxP7Ri8?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-24600260677369117062018-05-01T01:30:00.000+05:002018-05-01T01:30:35.000+05:00W.A. Mozart - Концерт №2 для скрипки с орк., Адажио, Рондо, Концертное рондо (1979)(Мелодия С10 12031-2)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-WFJ2Yw0jSEo/Wud8DVv8UvI/AAAAAAAAAeU/QQVkgJR_KzcrdyAdA_JW9r48QDRNjmw9gCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-WFJ2Yw0jSEo/Wud8DVv8UvI/AAAAAAAAAeU/QQVkgJR_KzcrdyAdA_JW9r48QDRNjmw9gCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
I сторона<br />Концерт № 2 для скрипки с оркестром ре мажор, KV 211<br />1. Allegro moderato (8.20)<br />2. Andante (7.10)<br />3. Rondeau. Allegro (4.35)<br /><br />II сторона<br />Адажио для скрипки с оркестром ми мажор, KV 261 (8.25)<br />Рондо для скрипки с оркестром до мажор, KV 373 (6.20)<br />Концертное рондо для скрипки с оркестром си бемоль мажор, KV 269 (6.12)<br /><br />Олег Каган - скрипка<br />Камерный оркестр Латвийской государственной филармонии <br />Дирижер Т. Лифшиц<br /><br />Звукорежиссер К. Пиннис<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/n_c3j8RF86s/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/n_c3j8RF86s?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />Скрипичные произведения Моцарта составляют важную часть его инструментального творчества. Около сорока сонат для скрипки и фортепиано, шесть скрипичных концертов, Концертная симфония для скрипки и альта с оркестром, скрипичные пьесы и вариации относятся к жемчужинам мировой скрипичной музыки.<br />Игре на скрипке Моцарт начал учиться с самого раннего детства. Первым педагогом Вольфганга был его отец Леопольд Моцарт, выдающийся скрипач и композитор, автор широко известной «Основательной скрипичной школы». Первое концертное выступление юного скрипача состоялось, когда ему было всего шесть лет. Вскоре Моцарт создает свои детские скрипичные сонаты. В 1770 году четырнадцатилетний композитор занимает должность концертмейстера скрипок в капелле зальцбургского архиепископа.<br />Знакомство с искусством выдающихся итальянских, и французских скрипачей, продолжение занятий и концертной деятельности обусловили неуклонное совершенствование исполнительского мастерства Моцарта. «Ты сам не подозреваешь, как ты хорошо играешь на скрипке; стоит тебе самому себя оценить по достоинству, стоит тебе вложить в свою игру отделку, сердечность и дух, право, ты был бы первым скрипачом в Европе» — так характеризовал скрипичное искусство своего сына Леопольд Моцарт.<br />Блестящее владение всем арсеналом средств игры на скрипке, всеми богатейшими ресурсами этого инструмента многогранно отразилось в творчестве Моцарта. Как в оркестровых, так и в сольных партиях его произведений скрипка звучит то ярко и празднично, то задушевно и лирично, то драматично и скорбно.<br />Первые пять скрипичных концертов были созданы в Зальцбурге в апреле — декабре 1775 года (сейчас нельзя с уверенностью сказать, написал ли их Моцарт для самого себя или же для зальцбургского скрипача-виртуоза Гаэтано Брунетти). Их возникновению предшествовали отдельные части в серенадах и кассациях с использованием скрипки соло, а также Кончертоне для двух скрипок с оркестром, KV 190, где Моцарт постепенно вырабатывал принципы соотношения солиста и оркестра, с наибольшей полнотой раскрывшиеся в собственно концертах.<br />Концерт № 2 ре мажор, KV 211 был закончен 14 июня 1775 года и впервые издан в 1802 году. Хотя это произведение, как и Первый концерт, пользуется несколько меньшей популярностью, чем последующие скрипичные концерты, тем не менее его партитура изобилует неувядаемыми красотами, поражает необычайным совершенством письма, выразительным использованием возможностей скрипки и ее колоритными сопоставлениями с tutti оркестра (струнные, два гобоя, две валторны).<br />Первая часть, Allegro moderato, написана, как и во всех концертах венских классиков, в сонатной форме с двумя экспозициями — оркестровой и сольной. Главная тема с ее маршевой ритмикой, дробностью мотивов, чередованием дуолей и триолей несколько перекликается с тематизмом ранних концертов Йозефа Гайдна. Те же черты присущи и всему Allegro в целом, однако ярко индивидуальную окраску придают музыке две темы побочной партии с их чисто моцартовской напевностью, пластичностью и изяществом рисунка.<br />Вторая часть, Andante соль мажор в сонатной форме, близка лирической оперной арии. Здесь нет развитой экспозиции оркестра — задушевный монолог скрипки начинается сразу же после изложения главной темы tutti. Музыка Andante лишена контрастов. Светлая безмятежность господствует как в главной, так и в двух побочных темах, лишь слегка омрачаясь в миниатюрной разработке печальными интонациями, сразу же исчезающими с наступлением репризного раздела.<br />Финал Концерта, Rondeau. Allegro, — рондо с тремя эпизодами. Жанровой основой здесь служит менуэт, гибко видоизменяющий свой облик. Нарядный и яркий в основной теме (рефрене), он становится изящным и грациозным в двух первых эпизодах, нежным и грустным в третьем, за которым следует реминисценция мелодий начальных разделов и блестящая торжественная кода.<br />Адажио ми мажор, KV 261 и Концертное рондо си бемоль мажор, KV 269 для скрипки с оркестром предположительно возникли в середине или в конце 1776 года в Зальцбурге. Согласно письму Леопольда Моцарта от 25 сентября 1777 года, они были написаны по просьбе Брунетти в качестве вариантов отдельных частей концертов 1775 года: Адажио — медленной части Концерта № 5 ля мажор, KV 219, показавшейся Брунетти «слишком ученой»; Рондо — сонатного финала Концерта № 1 си бемоль мажор, KV 207. Обе пьесы были впервые опубликованы в 1801 году.<br />В Адажио ми мажор, написанном в сонатной форме, господствует светлая идиллическая лирика. Солирующая скрипка здесь постоянно присутствует «на переднем плане», лишь на краткие моменты уступая место оркестровому tutti, очерчивающему структурные грани. Главная и побочная темы выдержаны в едином, нежном и безоблачном характере, чуть омраченном в разработке мимолетными полутенями минора.<br />Рондо си бемоль мажор — стремительное и блестящее рондо-сонатное Allegro, близкое по характеру и по отдельным мелодическим очертаниям финалу Дивертисмента № 17 ре мажор, KV 334. Музыка Рондо, то грациозная и изящная, то яркая и праздничная, словно предвещает «головокружительные» венские вальсы.<br />В отличие от двух рассмотренных пьес, Рондо для скрипки с оркестром до мажор, KV 373, завершенное 2 апреля 1781 года в Вене, по-видимому, представляет собой самостоятельную пьесу. Как указано в письме Моцарта от 8 апреля 1781 года, это Рондо было также сочинено для Брунетти, который должен был сыграть его в концерте, устраиваемом графом Коллоредо (отцом зальцбургского архиепископа). Пьеса была издана в 1800 году в оригинале и в переложении для флейты (в тональности ре мажор). Рондо до мажор, Allegretto gracioso, построено в рондо-сонатной форме, трактованной с непринужденной свободой. Музыка этой пьесы полна тонкой грации и удивительного очарования. Жанрово-бытовой элемент органично сочетается с необычайной изысканностью письма, предвосхищая многие страницы инструментального творчества Франца Шуберта.<br />* * *<br />Олег Каган — один из талантливых представителей молодого поколения советских скрипачей. Музыкальное образование получил сначала в специальной музыкальной школе десятилетке имени Э.Дарзиня при Латвийской консерватории, затем в Центральной музыкальной школе и Московской консерватории, где занимался у профессоров Б. Кузнецова и Д. Ойстраха.<br />Артист является лауреатом четырех международных конкурсов: III конкурса скрипачей имени Дж. Энеску, имени Яна Сибелиуса в Хельсинки, имени И. С. Баха в Лейпциге, III Международного конкурса имени П. И. Чайковского.<br />Игра скрипача отличается тонкостью, лиризмом, но она может быть и волевой, активной, и драматичной, патетической. Д. Ойстрах писал о своем ученике: «Его творчеству свойственны искренность и тонкое проникновение в авторский замысел».<br />Репертуар артиста включает произведения всех эпох и стилей. Олег Каган гастролировал в Финляндии, США и других странах.<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-26758221719062089322018-05-01T00:41:00.003+05:002018-05-07T23:33:58.367+05:00Манана Доиджашвили - И. Брамс/ О. Тактакишвили - Соната № 2 Для Фортепиано/ Фортепианные Пьесы (1976)(C10 07649-50)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-n82KgRgBeYg/WudwHrG0oaI/AAAAAAAAAeE/3zsJ55sChusZQzzIyE6FbgOBYAT8wg6kwCLcBGAs/s1600/%25D0%259C%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25B0%2B%25D0%2594%25D0%25BE%25D0%25B8%25D0%25B4%25D0%25B6%25D0%25B0%25D1%2588%25D0%25B2%25D0%25B8%25D0%25BB%25D0%25B8%2B-%2B%25D0%2598.%25D0%2591%25D1%2580%25D0%25B0%25D0%25BC%25D1%2581%252C%2B%25D0%259E%2B%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-n82KgRgBeYg/WudwHrG0oaI/AAAAAAAAAeE/3zsJ55sChusZQzzIyE6FbgOBYAT8wg6kwCLcBGAs/s320/%25D0%259C%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25B0%2B%25D0%2594%25D0%25BE%25D0%25B8%25D0%25B4%25D0%25B6%25D0%25B0%25D1%2588%25D0%25B2%25D0%25B8%25D0%25BB%25D0%25B8%2B-%2B%25D0%2598.%25D0%2591%25D1%2580%25D0%25B0%25D0%25BC%25D1%2581%252C%2B%25D0%259E%2B%25281%2529.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<br />
1. И. Брамс <br />
Соната № 2 фа диез минор, соч. 2 <br />
<br />
1. Allegro non troppo ma energico<br />
2. Andante con espressivo 3. Scherzo. Allegro<br />
4. Introduzione. Sostenuto. Allegro non troppo e rubato<br />
<br />
2. О. Тактакишвили<br />
Фортепианные пьесы<br />
<br />
1. Дудуки<br />
2. Сванская башня<br />
3. Шаири<br />
4. Алазанская долина <br />
5. Походная (токката) <br />
<br />
звукорежиссер Р.Рагимов<br />
редактор И.Чумакова<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/Xiy2QTNhXv8/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/Xiy2QTNhXv8?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/oLGuvr2Nk2Y/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/oLGuvr2Nk2Y?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
<br />
В семилетием возрасте Манана Доиджашвили начала заниматься музыкой под руководством педагога М. Чавчавадзе, а уже через год выступила с Государственным симфоническим оркестром Грузии. Ученицей V класса она сыграла фортепианный концерт Шумана и была отмечена рецензентом тбилисской газеты «Коммунист»: «Манана Доиджашвили удивила слушателей развитой техникой и зрелостью музыкальной мысли».<br />
В 1965 году юная пианистка завоевала звание лауреата на II Закавказском конкурсе музыкантов- исполнителей и с этого времени стала солисткой Грузинской государственной филармонии.<br />
С 1966 года М. Доиджашвили занималась в Тбилисской консерватории имени В. П. Сараджишвили в классе профессора Т. К. Амиреджиби, а после окончания курса была приглашена туда на преподавательскую работу.<br />
В 1970 году она была удостоена звания лауреата и специальной премии на V Международном конкурсе имени Дж. Энеску в Бухаресте. В 1974 году на Международном конкурсе имени Б. Сметаны завоевала высшую награду.<br />
Манана Доиджашвили ведет широкую концертную деятельность в городах СССР, с большим успехом гастролировала в Болгарии, Чехословакии, Румынии.<br />
Газета «Заря Востока» отмечала ее «незаурядное пленительное дарование, истинную скромность, исполненную достоинства, великолепную работу интеллекта в сочетании с темпераментом, лишенным всякой нервозности, артистичностью высшего класса».<br />
«В ее игре подкупает гармония прекрасного полнозвучного пианизма с естественной музыкальностью», — писал Д. Башкиров в журнале «Музыкальная жизнь».<br />
В 1976 году М. Доиджашвили удостоена звания заслуженной артистки Грузинской ССР.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-87539860013069639942018-04-07T14:48:00.000+05:002018-04-07T14:52:59.275+05:00Ernest Ansermet - Из сокровищницы мирового исполнительского искусства (1983)(Мелодия C10 19405 005)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Ausvbi-Yfug/WsiTP_7CQSI/AAAAAAAAAcA/LRTD11_Co0I9_F7XuFfaVoW1FRRco9buACLcBGAs/s1600/Ernest%2BAnsermet%2B-%2B%25D0%25A1.%25D0%259F%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BA%25D0%25BE%25D1%2584%25D1%258C%25D0%25B5%25D0%25B2%252C%2B%25D0%259D.%2B%25D0%25A0%25D0%25B8%25D0%25BC%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D0%25B9-%25D0%259A%25D0%25BE%25D1%2580%25D1%2581%25D0%25B0%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25B2%252C%2B%25D0%2590.%25D0%259B%25D1%258F%25D0%25B4%25D0%25BE%25D0%25B2%2B.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-Ausvbi-Yfug/WsiTP_7CQSI/AAAAAAAAAcA/LRTD11_Co0I9_F7XuFfaVoW1FRRco9buACLcBGAs/s320/Ernest%2BAnsermet%2B-%2B%25D0%25A1.%25D0%259F%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BA%25D0%25BE%25D1%2584%25D1%258C%25D0%25B5%25D0%25B2%252C%2B%25D0%259D.%2B%25D0%25A0%25D0%25B8%25D0%25BC%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D0%25B9-%25D0%259A%25D0%25BE%25D1%2580%25D1%2581%25D0%25B0%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25B2%252C%2B%25D0%2590.%25D0%259B%25D1%258F%25D0%25B4%25D0%25BE%25D0%25B2%2B.jpg" width="320" /></a></div>
Сторона 1<br />
<br />
Сергей Прокофьев (1891—1953)<br />
Ала и Лоллий, Скифская сюита, соч. 20 - 20.50<br />
1.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Поклонение Велесу и Але<br />
2.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Чужбог и пляска нечисти<br />
3.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Ночь<br />
4.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Поход Лоллия и шествие Солнца<br />
<br />
Сторона 2<br />
<br />
Николай Римский-Корсаков (1844—1908)<br />
Садко, Музыкальная картина, соч. 5 - 10.40<br />
Полет шмеля (Сказка о царе Салтане, 3 действие) – 1.35<br />
<br />
Анатолий Лядов (1855—1914)<br />
Баба-Яга, Картинка к русской народной сказке, соч. 56 - 3.00 (моно)<br />
Кикимора, народное сказание, соч. 63 - 6.10 (моно)<br />
<br />
Orchestre de la Suisse Romande (Симфонический оркестр Романской Швейцарии)<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/JTIL0UaoN2I/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/JTIL0UaoN2I?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
Редактор П. Грюнберг Художник Б. Белов<br />
<br />
Имя швейцарского дирижера Эрнеста Ансерме стоит несколько особняком в истории дирижерского искусства. В начале нашего столетия изменения стиля и языка музыки происходили в таком темпе, что произведения, написанные даже в конце XIX века, воспринимались как принадлежащие к давно прошедшей эпохе, как музыкальная классика. Это было время нарождения и стабилизации новых стилей. Кроме того, это было время чрезвычайно интенсивной концертной жизни:<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>буквально<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>десятки мировых музыкальных «звезд» одновременно выступали и гастролировали в Европе и Америке. У большинства дирижеров основу репертуара составляла музыкальная классика, их ранг и мастерство определялись, прежде всего, интерпретацией произведений великих композиторов прошлого. Ансерме же с самого начала своей карьеры выдвинулся именно как выдающийся исполнитель современной музыки и достиг в этой области столь высокого мастерства, что некоторые его интерпретации и по сей день считаются непревзойденными.<br />
Ансерме был великим мастером оркестровых звучностей. Под его управлением оркестр как бы расцветал всеми красками, каждая группа инструментов звучала исключительно ярко и насыщенно. Особенно восхищало искусство выявления необычных тембров, нетрадиционных сочетаний инструментов, столь свойственных современной музыке. Звуковой, оркестровый колорит, бывший в прошлом лишь вспомогательным средством, становился у современных композиторов зачастую «главным действующим лицом». Симптомы этой «революции» появились уже в музыке Вагнера, Малера, русских «кучкистов». Но особые требования к живописности звучания оркестра стали предъявлять авторы программной музыки и композиторы-импрессионисты. В этой области манера Ансерме оказалась как нельзя более соответствующей. К тому же, в отличие от других дирижеров, которые нередко исполняли музыку импрессионистов ритмически расплывчато, стараясь создать ощущение неустойчивости, зыбкости, Ансерме подчинял свои интерпретации строгой логике ритмов. Его оригинальный дирижерский стиль нашел впоследствии многочисленных последователей и даже в немалой степени стимулировал композиторское мышление.<br />
<br />
Эрнест Ансерме родился 11 ноября 1883 года в швейцарском городке Веве. «Моим первоначальным призванием, — вспоминал он, — была музыка, и вошел я в нее с самого детства, так как моя мать играла на фортепиано, отец пел, и к тому же я от природы был склонен к мечтательности и созерцательности, которые являются источниками музыки». Первые уроки будущий дирижер получил у своей матери. В период обучения в гимназии, а затем в кадетском корпусе он продолжал занятия музыкой у местных педагогов. Юношей играл на корнете в музыкальном обществе Веве и в оркестре кадетского корпуса, пробовал свои силы в дирижировании и композиции. Переехав в Лозанну, где сначала учился в коллеже, а затем изучал математику в университете, прошел курс гармонии в консерватории. Чтобы усовершенствоваться в математике, Ансерме отправился в Париж и поступил на математический факультет в знаменитую Сорбонну. Одновременно он слушал в консерватории курс контрапункта у Жедальжа и курс истории музыки у Бурго- Дюкудре. Вернувшись в Лозанну, четыре года (1906—1910) работал преподавателем математики в Классическом колледже, но все свободное время отдавал музыке: посещал концерты в Лозанне и в Монтрё, где курортным оркестром дирижировал его друг Франсиско де Ласерда, писал рецензии и статьи о музыке, сочинял. Осенью 1910 года Ансерме уехал в Мюнхен, а затем в Берлин. «Зима, проведенная в Германии и заполненная посещением репетиций и концертов Никиша, Мотля, Рихарда Штрауса, Мука, Онеггера и других, и по возвращении на родину — живой пример Франсиско де Ласерды подготовили меня к дирижерской деятельности, — вспоминал артист. Но в управлении оркестром я снова видел лишь деятельность, которая позволила бы мне свободно посвятить себя композиции. Только позднее я оставил эту мысль, общаясь со Стравинским и наблюдая направление, которое приобретала современная музыка».<br />
С 1911-го по 1914 год Ансерме работал дирижером курортного оркестра в Монтрё, сменив на этом посту Ласерду. С математикой было покончено навсегда. «Профессию математика, — признается музыкант, — я приобрел только потому, что в этой области видел верное средство заработать себе на жизнь, тем более что у меня, как у сына и внука школьных учительниц, в крови сидел педагогический вирус, что позднее оказалось небесполезным в управлении оркестром. И если наконец, я оставил свою первую профессию, то лишь потому, что страсть к музыке была повелительнее страсти к математике».<br />
Два события стали важнейшими вехами в творческой судьбе Эрнеста Ансерме: встреча со Стравинским и организация оркестра Романской Швейцарии.<br />
С Игорем Федоровичем Стравинским Ансерме познакомился в 1911 году, знакомство постепенно перешло в дружбу. В 1914 году композитор рекомендовал дирижера С. Дягилеву на освободившееся место музыкального руководителя и дирижера «Русского балета» в Париже. С этой группой Ансерме объехал многие страны Европы, Северной и Южной Америки и приобрел международную известность (с 1915 года он одновременно возглавлял концерты «Симфонической ассоциации Лозанны»). Вспоминая об Ансерме, Стравинский писал, что «очень ценил его высокую музыкальность, уверенность его взмаха, так же как и общую высокую культуру...» Дирижер стал постоянным исполнителем произведений Стравинского и провел несколько премьер его сочинений. Сотрудничество со Стравинским и выступления в спектаклях «Русского балета» принесли Ансерме славу и авторитет, необходимые для организации своего оркестра.<br />
Оркестр Романской Швейцарии Ансерме основал в Женеве в 1918 году и со временем воспитал из него один из лучших симфонических коллективов мира. Ансерме и его оркестр постоянно играли новые произведения современных композиторов, в отборе которых проявлялись тонкий вкус, дальновидность и глубокая культура дирижера, пропагандировали лучшие произведения музыкальной классики, уровнем исполнения и широтой деятельности привлекая внимание мировой музыкальной общественности. Именно во главе этого оркестра Ансерме одержал свои наиболее убедительные творческие победы (хотя выступал как гастролер с лучшими оркестровыми коллективами мира).<br />
Трижды Ансерме приезжал с гастролями в Советский Союз. «В его дирижировании, — писал Б. В. Асафьев, — господствует совершенно особенное — живое, одушевленное, вытекающее из моторных ощущений, и вместе с тем скульптурно-пластичное воплощение музыкального движения. Это движение становится конкретно осязаемым рельефом. Ансерме — удивительно чуткий и гибкий ритмист. Ритм для него не отвлеченный управляющий музыкой принцип, а жизненный ее тонус, не навязываемая ей извне воля, а в ней самой, в материале, в рисунке и форме произведения заключающаяся потенция роста и движения». И далее; «...Ансерме доводит оркестровое звучание до крайних степеней интенсивности, так что властно организованный, но непреоборимо стремительный в своем низвергании поток музыки временами кажется не порождением личного творчества композитора, а стихийной музыкой грозных явлений природы».<br />
А И. И. Соллертинский так писал после концертов дирижера: «Правильнее всего было бы определить Ансерме как дирижера-инженера или дирижера-кон- структора. Это менее всего значит, что Ансерме лишен эмоциональности: структурная логика и математическая точность в ускорениях и замедлениях темпов отнюдь не исключают больших патетических подъемов. Но эмоциональность никогда не затопляет общей конструктивной четкости: у Ансерме больше, чем у какого-либо другого дирижера, в каждый момент совершенно ясно, чего он собственно хочет. Отсюда — необычайная, почти оптически видимая рельефность исполняемого произведения. Элементы, которыми, прежде всего, оперирует Ансерме, — это оркестровая<br />
краска и ритм. Как колорист, Ансерме, бесспорно, один из первых дирижеров мира».<br />
Пятьдесят лет руководил Ансерме оркестром Романской Швейцарии и выступал по всему миру, внося свой неповторимый вклад в сокровищницу дирижерского искусства. Им написаны сотни статей и несколько книг о музыке. Его перу принадлежит ряд симфонических произведений, песен, обработки для оркестра произведений других композиторов (в том числе «Шести античных эпиграфов» Клода Дебюсси). Благодаря его мастерству и авторитету обрели признание сочинения многих начинающих композиторов, которым Ансерме дал путевку в жизнь.<br />
Скончался Эрнест Ансерме в Женеве 20 февраля 1969 года.<br />
<br />
Из многочисленных записей дирижера для нас особенно интересны произведения русских и советских композиторов. Русскую музыку Ансерме полюбил еще, будучи дирижером «Русского балета» и всю жизнь охотно ее исполнял. Впервые посетив Советский Союз в 1928 году, он проникся глубоким уважением к музыкальной жизни нашей страны и стал включать в свои программы произведения советских композиторов. Многие сочинения Бородина, Римского-Корсакова, Мусоргского, Лядова, Прокофьева нашли в лице Ансерме чуткого и взволнованного интерпретатора. Как писал в свое время И. Ф. Стравинский: «Достоинство исполнителя определяется одною особенностью: он видит в партитуре именно то, что на самом деле в ней заложено, и не ищет в ней того, что ему хочется видеть. В этом самое большое и ценное качество Ансерме».<br />
<div>
<br /></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-49269541301018296752018-04-04T21:45:00.001+05:002018-04-04T21:45:55.764+05:00Дмитрий Шостакович - Симфония №14 для сопрано, баса и камерного оркестра, соч. 135 (1974)(Мелодия C10 05477-8)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-pltIwvkiuE8/WsUA4cYIltI/AAAAAAAAAbc/NBtx2xmfEAg_JfTiXUTQ11A9TJAUe3SbACLcBGAs/s1600/%25D0%2594%25D0%25BC%25D0%25B8%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25B8%25D0%25B9%2B%25D0%25A8%25D0%25BE%25D1%2581%25D1%2582%25D0%25B0%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25B2%25D0%25B8%25D1%2587%2B-%2B%25D0%25A1%25D0%25B8%25D0%25BC%25D1%2584%25D0%25BE%25D0%25BD%25D0%25B8%25D1%258F%2B%25E2%2584%259614%2B%25D0%25B4%25D0%25BB%25D1%258F%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D0%25BF%25D1%2580%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25BE%252C%2B%25D0%25B1%25D0%25B0%25D1%2581%25D0%25B0%2B%25D0%25B8%2B%25D0%25BA%25D0%25B0%25D0%25BC%25D0%25B5%25D1%2580%25D0%25BD%25D0%25BE%25D0%25B3%25D0%25BE%2B%25D0%25BE%25D1%2580%25D0%25BA%25D0%25B5%25D1%2581%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25B0%252C%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D1%2587.%2B135%2B.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-pltIwvkiuE8/WsUA4cYIltI/AAAAAAAAAbc/NBtx2xmfEAg_JfTiXUTQ11A9TJAUe3SbACLcBGAs/s320/%25D0%2594%25D0%25BC%25D0%25B8%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25B8%25D0%25B9%2B%25D0%25A8%25D0%25BE%25D1%2581%25D1%2582%25D0%25B0%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25B2%25D0%25B8%25D1%2587%2B-%2B%25D0%25A1%25D0%25B8%25D0%25BC%25D1%2584%25D0%25BE%25D0%25BD%25D0%25B8%25D1%258F%2B%25E2%2584%259614%2B%25D0%25B4%25D0%25BB%25D1%258F%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D0%25BF%25D1%2580%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25BE%252C%2B%25D0%25B1%25D0%25B0%25D1%2581%25D0%25B0%2B%25D0%25B8%2B%25D0%25BA%25D0%25B0%25D0%25BC%25D0%25B5%25D1%2580%25D0%25BD%25D0%25BE%25D0%25B3%25D0%25BE%2B%25D0%25BE%25D1%2580%25D0%25BA%25D0%25B5%25D1%2581%25D1%2582%25D1%2580%25D0%25B0%252C%2B%25D1%2581%25D0%25BE%25D1%2587.%2B135%2B.jpg" width="320" /></a></div>
I сторона<br />
1. De profundis<br />
2. Малагенья<br />
3. Лорелея<br />
4. Самоубийца<br />
5. Начеку<br />
<br />
Слова Ф. Гарсиа Лорки (1, 2), Г. Аполлинера (3—5)<br />
Переводы И. Тыняновой (1), А. Гелескула (2), М. Кудинова (3—5)<br />
<br />
II сторона<br />
6. Мадам, посмотрите! 7. В тюрьме Санте<br />
8. Ответ запорожских казаков константинопольскому султану<br />
9. О Дельвиг, Дельвиг! 10. Смерть поэта 11. Заключение<br />
<br />
Слова Г. Аполлинера (6—8), В. Кюхельбекера (9), Р. М. Рильке (10, 11) Переводы М. Кудинова (6—8), Т. Сильман (10, 11)<br />
<br />
Евгения Целовальник, Евгений Нестеренко<br />
Ансамбль солистов Академического симфонического оркестра Московской государственной филармонии <br />
дирижер — Кирилл Кондрашин<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/mdh5fPYG5gc/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/mdh5fPYG5gc?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
Почти две тысячи лет человечество знало ритуальную музыку, получившую название «Страстей господних». Это была церковная музыка, но как и с образом «мадонны» в живописи, ставшим прообразом материнства, так и с этой музыкальной формой произошла в веках резкая метаморфоза. Сквозь литургическую оболочку проступило простое светское содержание искуса и страданий человеческих. Крупнейшие композиторы писали музыку к «Страстям»...<br />
Сейчас страница времени перевернута. Мы в преддверии коммунизма. Но значит ли это, что человек перестанет задумываться над «вечными» вопросами; значит ли это, что все противоречия уже ушли из жизни, из души человеческой и нет надобности в трагедийном искусстве, в той трагической его глубине, где ставятся проблемы жизни и смерти? Конечно, нет. Тысячу раз говорилось, что коммунизм углубит и раскроет, а не обкорнает в нас человека — мыслящую вершину природы. Именно это доказывает Четырнадцатая симфония Шостаковича, кульминация его творчества.<br />
Четырнадцатая симфония, — мне бы хотелось назвать ее первыми «Страстями человеческими» новой эпохи, — убедительно говорит, насколько нужны нашему времени и углубленная трактовка нравственных противоречий, и трагедийное осмысление душевных испытаний («страстей»), сквозь искус которых проходит человечество. Я слушала ее шесть раз, на записи и в концертах... и видела слезы на щеках у слушателей, чувствовала, как текут они из моих собственных глаз...<br />
На первый взгляд кажется, что тема симфонии — смерть вообще. Отсюда ошибка некоторых композиторов, пытающихся как бы «оправдать» эту тему, приписать Шостаковичу борьбу против «церковного принятия смерти», нечто богоборческое... Двойная ошибка! Церковь никогда не «принимала» натуральной смерти, а с древнейших времен (и во всех религиях!) видела нечто за нею, утверждала бессмертность души. И стихи, выбранные Шостаковичем, ничего похожего на борьбу со смертью как таковой, на протест против смерти вообще не содержат. Все они говорят о неестественной, необычной, преждевременной, чудовищной смерти, а такая смерть, вернее — гибель, вынуждается ужасами неестественной, преступной, уродливой, насильственно исковерканной жизни — войнами, насилием, злом, цинизмом, коверканьем простого человеческого бытия, всем тем, что толкает к гибели и против чего поднимает свой голос даже сама Смерть, смерть — «плачущая в нас» в финальном дуэте симфонии. Именно<br />
«слово», в его безошибочной музыкальной интонации, доносит до нас этот грозный протест против неправды, исковерканности, фальши, агрессии, против «сатаны, правящего бал» (если не бояться уже очень затасканного сравнения!) —в разорванном противоречиями уродливом мире старых человеческих отношений.<br />
Симфонический рассказ начинается: «Сто горячо влюбленных сном вековым уснули...» Здесь нет натуральной смерти. Погибли юные. И как отблеск трагической гибели в самом пейзаже — сухая земля, красный песок на дорогах Андалузии. Странная, мрачная, маршем западающая в память, глухая музыка не о смерти — о гибели. И другая черная гибель в придорожной разбойничьей таверне, где пахнет солью и жаркой кровью, где «темные души» с кинжалами «в ущельях гитары бродят». И о гибели поет баллада «Лорелея», не о смерти — о гибельной красоте той белокурой волшебницы «из прирейнского края», за которой «шли мужчины толпой, от любви умирая». А сама она, в поисках любимого, может быть, никогда не существовавшего, может быть, мечты — бросается в Рейн, «увидав отраженные в глади потока свои рейнские очи, свой (подчеркнуто мною — М. Ш.) солнечный локон». Музыка всей страстностью и необычностью, всем каким-то остерегающим, отдаленно звучащим напоминанием — еще как бы в преддверии темы, но трагедия уже вошла, и трагедийное держит ваш слух в ожидании, — вы чувствуете его даже в плеске рейнских вод, разливаемых музыкой. А за балладой сгущается тема гибели, самоубийца лежит в могиле без креста, над ним «три лилии, лилии три», чью позолоту «холодные ветры сдувают». Холодок проходит у вас по коже, когда каждая лилия раскрывает свою судьбу: одна выросла из раны и кровоточит, другая из сердца, а третья «корнями мне рот разрывает...» Это страшно, слова кричат — впиваются в музыку, музыка вонзается терниями. Но и это еще только преддверие темы, ее страшное предвкушение.<br />
Дальше растет горький человеческий бунт — против бессмысленной смерти в окопах «солдатика», кому «нет пути назад», кто гибнет в утро жизни, «как умирают розы». За гибелью в окопе с ее коротким и быстрым ритмом следует россыпь истерического хохота той, кто бросила свое сердце прохожим под ноги и хохочет, хохочет над погибшей преждевременно, «скошенной смертью» любовью. Арестант в тюрьме «Санте» (что за издевательское название у французской тюрьмы — «Здоровье»!): «В какой-то яме, как медведь, хожу вперед-назад...» Мы знаем, как умеет Шостакович по-разному передавать в музыке шаги человеческие, как передал он страшный мертвый марш фашистских полчищ.<br />
Но тут — отчаяние, безвыходность, от стены к стене, вперед-назад, вперед-назад... И взрыв такой ненависти против насилия, против удушения человека человеком, что вас сотрясает внутренний озноб личного присутствия при этом извержении накопившегося человеческого гнева... — совершенно невероятный по силе ненависти «Ответ запорожских казаков константинопольскому султану». Французский поэт Аполлинер обратился тут к историческому сюжету, разработанному у нас Репиным.<br />
И вдруг, словно луч света, — мягкое, чарующее красотой, единственное во всем цикле andante, где творчеству, создающему красоту и гармонию, где царству правды обещается как бы бессмертие, победа над смертью... Бессмертие и смелым вдохновенным делам на земле, и сладостному песнопению.<br />
Здесь мне хочется на минуту остановиться. Конечно, мое толкование музыки, как и всякое толкование, даже с компасом поэзии, — субъективно. Но я верю ему, слышу его, слышу тем единством двойного звучания звука и слова, которое в древности определяли общим понятием «мелос», — и мне хочется проверить свое восприятие опытом других слушателей. Поэзия — могучий выразитель связи, той идущей из чувства цепочки, на которую нанизано ожерелье слов. Слова могут быть обыкновенными; они, как кирпичи, могут идти на любую постройку; но связь, в которую сочетает их вдохновение поэта, неповторима и единственна. И вот, когда высокая музыка, обращаясь к вершинам поэзии, произносит на своем языке звуков лишь первое слово стиха, — слух бессознательно, внутренним сопереживанием угадывает в нем всю неповторимую цепочку, с которой начинается ожерелье. Это бывает лишь с гениальным произведением. Это, мне кажется, имеет ярчайшее подтверждение в Четырнадцатой. Когда слуха касается, мягко, словно крылом сказочной Лебеди, только одно повторение имени «О Дельвиг, Дельвиг!», я внутренним слухом воспринимаю всю гениальную необходимость того, что будет вложено композитором потом в последующие звенья. Потому что слух уже скован, слух уже охвачен цепочкой — нерасторжимой двойной связью мелодии и стиха. Это переживание огромно. Одни его Другие отдаются ему бессознательно. Именно такое переживание — из глубины глубин, — сотворенное творческим гением искусства, — и растит и поддерживает, и ведет к добру человека, поливая животворными соками «зеленое древо жизни»...<br />
<br />
Мариэтта Шагиня - «Литературная газета» № 13, 1970.</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-31036814411523032652018-04-03T14:11:00.000+05:002018-04-03T14:11:00.859+05:00Любомир Пипков - Симфония № 3, В. Казанджиев. Симфония за пиано, саксофон и оркестър (1976, Balkanton BCA 505)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-eqStyaVDS8s/WsNERtMXyUI/AAAAAAAAAbM/i8_DH_wN6xI98USQgF08g8QB4byXKy_jgCLcBGAs/s1600/%25D0%259B%25D1%258E%25D0%25B1%25D0%25BE%25D0%25BC%25D0%25B8%25D1%2580%2B%25D0%259F%25D0%25B8%25D0%25BF%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25B2%252C%2B%25D0%2592.%2B%25D0%259A%25D0%25B0%25D0%25B7%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25B4%25D0%25B6%25D0%25B8%25D0%25B5%25D0%25B2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-eqStyaVDS8s/WsNERtMXyUI/AAAAAAAAAbM/i8_DH_wN6xI98USQgF08g8QB4byXKy_jgCLcBGAs/s320/%25D0%259B%25D1%258E%25D0%25B1%25D0%25BE%25D0%25BC%25D0%25B8%25D1%2580%2B%25D0%259F%25D0%25B8%25D0%25BF%25D0%25BA%25D0%25BE%25D0%25B2%252C%2B%25D0%2592.%2B%25D0%259A%25D0%25B0%25D0%25B7%25D0%25B0%25D0%25BD%25D0%25B4%25D0%25B6%25D0%25B8%25D0%25B5%25D0%25B2.jpg" width="320" /></a></div>
Любомир Пипков - Symphony No. 3<br />
<br />
A1<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>1. Allegro Moderato<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span><br />
A2<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>2. Ritornello. I. Tempo Di Marcia – Andante – Ritornello; II. Tempo Di Marcia – Finale. Allegro. Presto<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span><br />
<br />
Sofia Philharmonic Orchestra<br />
дирижер Константин Илиев<br />
<br />
Васил Казанджиев - Концерт для фортепиано, саксофона и оркестра<br />
<br />
B1<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>Allegro Ma Non Troppo<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span><br />
B2<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>Andante Espressivo<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span><br />
B3<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>Allegro Con Moto<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span><br />
<br />
Piano – Олга Шевкенова<br />
Saxophone – Константин Чилиев<br />
Sofia Philharmonic Orchestra<br />
дирижер Васил Казанджиев<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i9.ytimg.com/vi/Hq5hy-JICBI/default.jpg?sqp=COiJjdYF&rs=AOn4CLDZe681p1YLD3hIZmIjPzuMgzvmZg" src="https://www.youtube.com/embed/Hq5hy-JICBI?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
Композиции Любомира Пипкова тесно связаны с проблемами современности. Они демонстрируют острое чувство гражданского долга и национальной принадлежности, составляющее часть болгарской национальной культуры, прорастающей из нее и немыслимой без нее, так как и она немыслима без его работ.<br />
Третья Симфония была написана в период с января по апрель 1965 года. Это продолжение и применение в симфоническом жанре идей и новых направлений стиля, характерных для сочинений Пипкова после его "Оратории нашего времени “ и оперы ”Антигона 43". Главной особенностью этого обогащенного стиля является его активная выразительность, реализованная новой трактовкой элементов музыкальной формы-политональности в ее гармонии, неравномерности метрической и ритмической пульсации, свободы полифонического рисунка, новых тембров в оркестровке и максимальных скоростей в темпе. Все это, в свою очередь, приводит к предложениям несравнимо большего масштаба.<br />
В состав оркестра входят ударные инструменты, два фортепиано и труба.<br />
Пять разделов симфонии сгруппированы в две части.<br />
Начальное Allegro moderato проходит<br />
в рамках очень свободного варианта classical allegro типа сонаты.<br />
Структурные элементы партии представлены в пределах первых тактов в пульсации второго рояля, во внутренних струнных группах и в первом рояле. Тогда как основная тема первой скрипки, в сочетании с первым фортепиано. Двухмерный мотив, сыгранный первым фортепиано, играет важную роль в разработке композиции, появляясь в два раза ее первоначального размера и в различной оркестровке. Вторая идея также представлена первыми скрипками. Репризе предшествует ля минорный эпизод у всех струнных, который приводит к репризе главной темы. Вторая часть содержит оставшиеся четыре части симфонии.<br />
Ritornelto I использует небольшую модификацию основной темы первой части, которая представлена сольной трубой ми минор, или в битональности первым фортепиано и ксилофоном, или трубой и ксилофоном. Andante, является лирическим и элегическим по характеру и выполняет функцию медленного раздела в цикле. Ritornelto II не является идентичным повторением первого, но отличается от него в ритме и в более богатой оркестровке. Финальное Allegro - это очень напряженный и стремительный, четырехмерный эпизод в 1/8, ведущий к короткой и бурной Coda Presto.<br />
<br />
Васил Казанджиев - явление в болгарской музыке с необычной многогранностью его музыкального таланта. Очень сильно выраженная воля к твердому и звуковому строению - это характерная для всех произведений композитора закономерность, свидетельствующая о многогранном процессе созревания. Эта особенность вызывает уважение, когда мы соприкасаемся с его музыкой.<br />
<br />
Концерт для фортепиано, саксофона и оркестра сочинялись в течение относительно длительного периода времени, который охватывает часть студенческих лет композитора. Поэтому не так уж сложно обнаружить в нем определенную эволюцию идей и эстетики.<br />
Первая часть в форме сонаты следует знакомыми классическими принципами. Со стороны оркестра происходит неспокойное вступление, акцентированное краткими перерывами от духовых инструментов. Первая тема занята фортепиано.<br />
Чередуется множеством пауз, прыжков и резких акцентов на слабых ударах, она дополняется сольным саксофоном, который переплетается в своем развитии и определяет его виртуозный характер. Вторая тема приносит временное спокойствие и покой. Принятая автором трактовка использует все структурные элементы темы и всех переходов, подвергая их большому разнообразию изменений и сочетаний ритма, тембра и мелодии. Все более сложная полиритмия и полифония приводит к усилению напряженности и является подготовительной к важнейшему элементу этой части - большой фуге в конце. Очень краткое повторение второй темы вновь поднимает настроение спокойствия и умиротворения.<br />
Часть вторая в большой трехчастной форме. Первая часть - хорал в сольном саксофоне, очень спокойный и созерцательный. Вторая - каденция сольного фортепиано, ведущая к репризе хорала в тутти. Краткий переход служит ссылкой на третью часть. Это серия фуг, основанная на контрастных темах. Третья часть завершается одновременным представлением четырех тем, рассматриваемых в различных фугах. Это одновременно и завершение всей композиции, кульминация в проработке и усложнение ее замысла.<br />
<br />
Иван Бакалов<br />
(перевод С.Минаков)</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-26525627199990429192018-03-30T15:07:00.000+05:002018-03-30T15:07:15.323+05:00Современная симфоническая музыка Югославии (1976)(Мелодия С10 07989-90)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-RSeEYUtLIFw/Wr4LuNc1HoI/AAAAAAAAAa4/s5-W-4EIJOc7_9Sl3AOASpPkPLAzBjX6ACLcBGAs/s1600/%25D0%25A1%25D0%25BE%25D0%25B2%25D1%2580%25D0%25B5%25D0%25BC%25D0%25B5%25D0%25BD%25D0%25BD%25D0%25B0%25D1%258F%2B%25D1%2581%25D0%25B8%25D0%25BC%25D1%2584%25D0%25BE%25D0%25BD%25D0%25B8%25D1%2587%25D0%25B5%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B0%25D1%258F%2B%25D0%25BC%25D1%2583%25D0%25B7%25D1%258B%25D0%25BA%25D0%25B0%2B%25D0%25AE%25D0%25B3%25D0%25BE%25D1%2581%25D0%25BB%25D0%25B0%25D0%25B2%25D0%25B8%25D0%25B8%2B.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-RSeEYUtLIFw/Wr4LuNc1HoI/AAAAAAAAAa4/s5-W-4EIJOc7_9Sl3AOASpPkPLAzBjX6ACLcBGAs/s320/%25D0%25A1%25D0%25BE%25D0%25B2%25D1%2580%25D0%25B5%25D0%25BC%25D0%25B5%25D0%25BD%25D0%25BD%25D0%25B0%25D1%258F%2B%25D1%2581%25D0%25B8%25D0%25BC%25D1%2584%25D0%25BE%25D0%25BD%25D0%25B8%25D1%2587%25D0%25B5%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B0%25D1%258F%2B%25D0%25BC%25D1%2583%25D0%25B7%25D1%258B%25D0%25BA%25D0%25B0%2B%25D0%25AE%25D0%25B3%25D0%25BE%25D1%2581%25D0%25BB%25D0%25B0%25D0%25B2%25D0%25B8%25D0%25B8%2B.jpg" width="320" /></a></div>
1<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>сторона<br />
<br />
Витомир Трифунович (р. 1916)<br />
Antinomia — 5.25<br />
оркестр Словенской Филармонии, дирижер Оскар Данон<br />
<br />
Примож Рамовш (р. 1921)<br />
Траурная Муэыка (Musique Funebre) — 14.55<br />
оркестр Словенской Филармонии, дирижер Антон Нанут<br />
<br />
2<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>сторона<br />
<br />
Дубравко Детони (р. 1937)<br />
Лики и Плошади — 9.25<br />
Симфонический Оркестр Загребского Радия, дирижер Йосеф Даниел<br />
<br />
Александр Обрадович (р. 1927)<br />
Факелы — 8.57<br />
Оркестр Белградской Филармонии, дирижер Живоин Здравкович<br />
<br />
Совместное производство фирм «МЕЛОДИЯ» и «ЮГОТОН»<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/9jYY6y2ZA7s/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/9jYY6y2ZA7s?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
В творчестве композиторов Югославии симфоническая музыка получила широкое развитие лишь в XX веке. Однако известно, что еще в XVIII столетии музыкант-любитель Лука Соркочевич из Хорватии сочинил для собственного небольшого оркестра цикл симфоний. В XIX веке хорватский композитор Ватрослав Лисински создал первую национальную оперу южных славян «Любовь и злоба», а также несколько оркестровых произведений, среди которых выделяется идиллия «Вечер».<br />
В начале XX. века, в период формирования современной музыкальной культуры народов Югославии, композиторы все больше овладевают симфоническими жанрами. С этого времени в югославской музыке появляется целый ряд мастеров-симфонистов. Среди них Матия Бравничар, Луциан Мария Скерьянц, Блаж Арнич, Славко Остерец (Словения); Благое Берса, Фраи Лотка, Борис Папандопуло, Мило Ципра, Антун Добрович, Крсто Одак, Степан Шулек, Йосип Штоль- цер-Славенский (Хорватия); Миленко Паунович, Любица Марич, Милан Ристич, Михайло Вукдрагович, Станойло Раичич (Сербия). Эти композиторы заложили основы югославской симфонической школы, нашедшей свое продолжение и развитие в творчестве новых поколений музыкантов.<br />
Современная симфоническая музыка Югославии представлена на этой пластинке сочинениями четырех композиторов.<br />
Витомир Трифунович родился в 1916 году в Сербии, учился у Йосипа Штольцера-Славенского. Композитор использует в своих сочинениях богатую гамму интонационно-выразительных средств, экспериментирует в области формы и инструментовки. В симфоническом произведении «Antinomia» (1972), так же как в более поздних «Ассоциациях» и темпераментном Скрипичном концерте, Трифунович, по словам одного критика, «смело и уверенно открывает новые звуковые пространства».<br />
Musique funebre написана выдающимся словенским композитором Приможем Рамовшем в 1955 году в связи с гибелью матери и посвящена ее памяти. Этот цикл состоит из пяти разнохарактерных частей, связанных единством содержания и до некоторой степени тематизма. Musique funebre неоднократно с успехом исполнялась на родине Рамовша и за рубежом.<br />
Хорватский композитор Дубравко Детони — один из самых интересных представителей современной музыки Югославии. Он учился у С. Шулека в Загребе, у В. Лютославского и Г. Бацевич в Варшаве, у К. Штокхаузена и Д. Лигети в Дармштадте. Детони выступает со своим камерным ансамблем, который называется «Ацезантез». Симфоническая пьеса «Лики и площади» была впервые исполнена в 1968 году в Граце (Австрия).<br />
Александр Обрадович — уроженец Сербии. Музыкальное образование получил в Белграде, Лондоне и Нью-Йорке. Четвертую симфонию композитор написал в 1972 году. Она состоит из двух частей, имеющих символические названия: «Факелы» и «Отклики». Первая часть построена в классической сонатной форме: энергичной главной теме противопоставлена побочная, близкая по характеру печальной народной песне.<br />
<div>
<br /></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-50995296119627704642018-03-26T23:00:00.000+05:002018-03-26T23:30:23.882+05:00Борис Чайковский - Квинтет для ф-но, двух скрипок, альта и виолончели ля минор (1976)(Мелодия С10 07567-8)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-yPn-SbSu3NU/Wrk1A_3Ou7I/AAAAAAAAAak/4ttUWFR02Jg9oi8ZwfAG72-d0F0XVqz-wCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-yPn-SbSu3NU/Wrk1A_3Ou7I/AAAAAAAAAak/4ttUWFR02Jg9oi8ZwfAG72-d0F0XVqz-wCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Квинтет для фортепиано, двух скрипок, альта и виолончели ля минор </div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
I<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> сторона</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
1.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Moderato</div>
<div style="text-align: center;">
2.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Allegro</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
II<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> сторона</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
3. Allegro</div>
<div style="text-align: center;">
4. Finale. Adagio</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Борис Чайковский фортепиано </div>
<div style="text-align: center;">
Квартет имени Бородина</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Звукорежиссер В. Скобло. Редактор И. Чумакова<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/lUbHbFRvQwY/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/lUbHbFRvQwY?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br /></div>
Своеобразный и глубокий художник, Борис Александрович Чайковский (р. 1925) привлек к себе внимание любителей музыки на рубеже 40-х — 50-х годов. Уже в первых значительных сочинениях (Симфониетта для струнного оркестра, Трио для фортепиано, скрипки и виолончели и др.) ярко проявилась самобытность его творческого дара, национальный русский склад его музыки.<br />
Ученик Д. Д. Шостаковича, В. Я. Шебалина и Н. Я. Мясковского, Борис Чайковский работает преимущественно в сфере крупных инструментальных форм. Им написаны три симфонии (Вторая отмечена Государственной премией СССР 1969 года), четыре концерта, Симфонические вариации для оркестра, пять<br />
струнных квартетов, два трио, фортепианный квинтет, сонаты для различных инструментов, Партита для виолончели и камерного ансамбля, разнообразные оркестровые сочинения «средних» жанров (увертюры, Фантазия на русские темы, Славянская рапсодия, Каприччио на английские темы) и др.<br />
Инструментальные сочинения Бориса Чайковского весьма определенно делятся на две большие группы: симфонические и камерные. Его симфонии и концерты отличаются широтой и многообразием жизненного содержания, размахом и насыщенностью развития, масштабностью формы. Многим камерным ансамблям композитора свойственны редкие даже для этого жанра оточенность и изящество письма, тонкость воплощения сокровенных мыслей и настроений.<br />
Квинтет для фортепиано, двух скрипок, альта и виолончели занимает здесь особое место. Ему присуща своеобразная монументальность, развернутость формы и подлинная симфоничность развития музыкально-психологической драмы. Характерно и переходное, рубежное положение квинтета в творческой эволюции композитора. Год создания Квинтета (1962) как бы завершил десятилетний период работы Б. А. Чайковского почти исключительно в камерных формах: фортепианное трио (1953), квартет (1954), струнное трио (1955), сонаты для виолончели и фортепиано (1957), для скрипки и фортепиано (1959), Сюита для виолончели соло (1960), Второй струнный квартет (1961). Вслед за Квинтетом<br />
появляется ряд важнейших симфонических партитур: Концерт для виолончели с оркестром (1964), Вторая симфония (1967), скрипичный (1969) и фортепианный (1971) концерты, наконец, «Тема и восемь вариаций» (1973).<br />
Драматургия крупных инструментальных форм Б. А. Чайковского всегда необычна: художник ставит перед собой каждый раз новые творческие проблемы и избегает привычных, проторенных путей. Его концерты, сонаты, квартеты, симфонии, трио отличаются друг от друга и по числу частей, и по принципам их сопоставления, и, конечно, по характеру образов, по содержанию. Своеобразие композиции четырехчастного цикла в Квинтете определяется особым чередованием темпов: первая часть и финал сочинения — медленные, две средние части — быстрые. Неспешно, длительно, широко развертывающаяся первая часть Квинтета выполняет функцию «завязки», готовящей активно-действенное начало второй части. Здесь в драматичных диалогах, в сопоставлениях и соединенном звучании инструментальных голосов с рельефностью театральной пьесы или реалистического кинофильма сменяются различные «эпизоды» драмы. Третья часть в характерном для Б. А. Чайковского жанре «скерцо-токкаты» еще более усиливает конфликтную напряженность повествования. Трагедийный интонационно-психологический колорит постепенно высветляется лишь к концу последней, очень медленной, философски углубленной части Квинтета, звучащей спокойно и печально.<br />
Квинтет Бориса Чайковского впервые прозвучал 26 декабря 1962 года в Ленинграде в исполнении автора и Государственного квартета им. Бородина. Московская премьера сочинения состоялась 6 января 1963 года.<br />
<br />
М. Якубов</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-55300256060700986482018-03-25T22:03:00.000+05:002018-03-25T22:03:45.566+05:00Андрей Баланчивадзе - Двенадцать романтических пьес (1976)(Мелодия С10 07217 002)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-1SXRs0Cfdig/WrfVvTQYPtI/AAAAAAAAAaU/HrLwDegwlbgIIqcGsniRtNtNsEXif1KqgCLcBGAs/s1600/%25D0%2590.%2B%25D0%2591%25D0%25B0%25D0%25BB%25D0%25B0%25D0%25BD%25D1%2587%25D0%25B8%25D0%25B2%25D0%25B0%25D0%25B4%25D0%25B7%25D0%25B5%2B-%2B%25D0%2594%25D0%25B2%25D0%25B5%25D0%25BD%25D0%25B0%25D0%25B4%25D1%2586%25D0%25B0%25D1%2582%25D1%258C%2B%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BC%25D0%25B0%25D0%25BD%25D1%2582%25D0%25B8%25D1%2587%25D0%25B5%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D1%2585%2B%25D0%25BF%25D1%258C%25D0%25B5%25D1%2581.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-1SXRs0Cfdig/WrfVvTQYPtI/AAAAAAAAAaU/HrLwDegwlbgIIqcGsniRtNtNsEXif1KqgCLcBGAs/s320/%25D0%2590.%2B%25D0%2591%25D0%25B0%25D0%25BB%25D0%25B0%25D0%25BD%25D1%2587%25D0%25B8%25D0%25B2%25D0%25B0%25D0%25B4%25D0%25B7%25D0%25B5%2B-%2B%25D0%2594%25D0%25B2%25D0%25B5%25D0%25BD%25D0%25B0%25D0%25B4%25D1%2586%25D0%25B0%25D1%2582%25D1%258C%2B%25D1%2580%25D0%25BE%25D0%25BC%25D0%25B0%25D0%25BD%25D1%2582%25D0%25B8%25D1%2587%25D0%25B5%25D1%2581%25D0%25BA%25D0%25B8%25D1%2585%2B%25D0%25BF%25D1%258C%25D0%25B5%25D1%2581.jpg" width="320" /></a></div>
1. Здравствуй<br />
2. Наша беседа<br />
3. Пробуждение<br />
4. Надежды<br />
5. Признание<br />
6. Блаженный вечер<br />
7. Восторг<br />
8. Раздумье<br />
9. Отрешение<br />
10. Просветление<br />
11. Прощай<br />
12. Наш путь<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/CNAXbEEY1ug/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/CNAXbEEY1ug?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
Народный артист Союза ССР, лауреат Государственных и Республиканской премий Андрей Мелитонович Баланчивадзе родился в 1906 году в семье композитора Мелитона Баланчивадзе. Окончил в 1927 году Тбилисскую консерваторию по классам фортепиано (профессор И. Айсберг) и композиции (профессор М. Ипполитов-Иванов), а в 1931 году Ленинградскую консерваторию по классу композиции у профессора А. Житомирского, там же занимался по фортепиано у профессора М. Юдиной. Работает в различных областях грузинской музыкальной культуры. С 1935 года Баланчивадзе преподаватель, а с 1942 года — профессор Тбилисской консерватории. Среди его учеников — композиторы Р. Лагидзе, А. Шаверзашвили, А. Чимакадзе, Б. Квернадзе, Ш. Милорава, М. Давиташвили и др.<br />
Среди сочинений А. Баланчивадзе — три оперы: «Арсен» (неоконченная), «Мзия» (1950 г.), «Золотая свадьба» (1970 г.); балеты: «Сердце гор» (1936 г.), «Страницы жизни» (I960 г.), поставленный в 1961 году в Большом театре СССР, «Мцыри» (1964 г.); две симфонии, четыре фортепианных концерта, ряд симфонических картин, фортепианные пьесы («Баллада», цикл «Романтические пьесы») и т. д. А. Баланчивадзе принадлежит также музыка к спектаклям и кинофильмам («Георгий Саакадзе», «Давид Гурамишвили», «Потерянный рай», «Неуловимый Ян» и др.).<br />
А. Баланчивадзе основоположник симфонического (наряду с Ш. Мшвелидзе) и балетного жанров в Грузии; он внес большой вклад в развитие грузинской фортепианной музыки.<br />
<br />
Г. Торадзе<br />
<br />
Музыка Андрея Баланчивадзе принадлежит к тем явлениям духовной жизни нашего народа, общение с которыми приносит радость и эстетическое удовлетворение. Его творчество отмечено исключительным чувством пластики, изяществом и совершенством форм. Ясность изложения и логичность развития образов, живость музыкального материала, идущего от естественности переживания и своеобразия восприятия мира, — характерные черты творческого стиля Баланчивадзе. Музыка А. Баланчивадзе рассказывает о нашей современности, жизни и труде, природе и людях, поэзии нашего быта. И главное в ней — стремление композитора показать пути становления современного человека, его героические порывы к свершениям, преодоление жизненных препятствий. Лучшие творения композитора вновь и вновь возвращают нас к этим проблемам, в разных аспектах освещая их. Становление воли, путь к победе через страдания и борьбу, тема сурового мужества пронизывает обе его симфонии, балеты и ряд фортепианных произведений. Не случайно, что Великая Отечественная война нашла широкий отклик в творчестве Баланчивадзе. Ее атмосфера ощущается в Первой симфонии, во Втором фортепианном концерте, балете «Страницы жизни».<br />
Но особую привлекательность творчеству композитора придает то, что героика в его произведениях озарена светлой лирикой мечты, той высшей человечности, которая и олицетворяет подлинно прекрасное. В его музыке преобладают светлые тона, гармоническое мироощущение предопределяет эстетическое кредо композитора.<br />
<br />
Г.Орджоникидзе<br />
<br />
<br /></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-14252587596724563152018-03-24T23:10:00.000+05:002018-03-24T23:10:08.867+05:00Юрий Левитин - Квартеты № 9 и 10 (квартет им. Глинки)(1976)(Мелодия С10 07307-8)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-iR9PZ4TK4Lw/WraTsEIq0yI/AAAAAAAAAaE/d0mCadnSSTUKAkY2rJr3GWs9uK_l7S-mACLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-iR9PZ4TK4Lw/WraTsEIq0yI/AAAAAAAAAaE/d0mCadnSSTUKAkY2rJr3GWs9uK_l7S-mACLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
I сторона </div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Квартет № 9 для двух скрипок, альта и виолончели ля минор, соч. 66</div>
<div style="text-align: center;">
1.Сонатина. Allegro non troppo</div>
<div style="text-align: center;">
2.Речитатив и фуга. Adagio. Росо rubato. Andante</div>
<div style="text-align: center;">
3.Бурлеска. Allegro</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
II сторона </div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Квартет № 10 для двух скрипок, альта и виолончели си минор, соч. 73</div>
<div style="text-align: center;">
1.Largo. Allegretto commodo. Largo</div>
<div style="text-align: center;">
2.Presto</div>
<div style="text-align: center;">
3.Andante</div>
<div style="text-align: center;">
4.Allegro non troppo</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Квартет имени Глинки:</div>
<div style="text-align: center;">
Александр Аренков, Сергей Пищугин, Михаил Геллер, Дмитрий Ферштман</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Звукорежиссер И. Вепринцев. Редактор И. Чумакова</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/nOsM63y7t8M/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/nOsM63y7t8M?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
Творчество выдающегося советского композитора Юрия Абрамовича Левитина отличается масштабностью, разнообразием жанров, умением подчинить безупречное мастерство любой художественной задаче. Ю. Левитин великолепно знает, как распределить элементы музыкальной ткани, чтобы они прозвучали самым выигрышным образом. В сочинении он рационален, дисциплинирован, предельно ограничивает себя в выборе средств выражения, стараясь минимуму нот придать максимум содержания. Композитор неустанен в поисках обновления гармонии, полифонии, тембров, инструментальной фактуры, в расширении рамок форм классического сонатного цикла.<br />
Обладая огромной эрудицией, Ю. Левитин прекрасно понимает и трезво оценивает все новейшие веяния в музыкальном искусстве. Ему свойственны живой интерес к работе других композиторов, сочувственное отношение к опытам молодежи, строгая критическая проверка собственной композиторской работы.<br />
Среди многочисленных произведений Ю. Левитина значительное место принадлежит жанру струнного квартета одиннадцать квартетов композитора — это одиннадцать удивительно разнообразных по настроению поэм: от проникновенно интимных излияний до глубоко философских обобщений.<br />
Девятый и Десятый квартеты выделяются сочетанием классической формы цикла с яркой индивидуальностью мелодического и гармонического языка. В рамках традиционных структур композитор насыщает музыку множеством неожиданных поворотов, требующих неослабного внимания слушателя. Эти изобилующие красотами квартеты - произведения зрелого<br />
мастера, которому есть что сказать и который говорит Оригинально, лапидарно, доходчиво.<br />
Квартеты Левитина занимают достойное место в сокровищнице камерной музыки XX века. Погружаясь в мир этой замечательной музыки, ощущаешь, что нет устаревших жанров — каждый жанр, к которому обращается подлинный талант, обогащается и расцветает новыми красками.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span><br />
<br />
М.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span>Вайнберг<br />
<br />
* * *<br />
Квартет имени Глинки был создан в 1966 году. В его состав вошли воспитанники Московской государственной консерватории: лауреат Всесоюзного и дипломант Международного конкурсов Александр Аренков, Сергей Пищугин, лауреат Международного конкурса Михаил Геллер, Дмитрий Ферштман.<br />
В 1969 году Квартет имени Глинки (в то время он назывался Квартетом Союза композиторов) был удостоен I премии на Международном конкурсе струнных квартетов в Льеже. Игра молодых музыкантов была восторженно встречена публикой и прессой.<br />
Многочисленные гастроли квартета за рубежом проходят с неизменным успехом. Вот некоторые отзывы печати. «...Ансамбль представляет собой коллектив исполнителей с техническим и музыкальным мастерством на мировом уровне» («Австрийские новости», Вена).<br />
«...Чистое, юношеское и одновременно зрелое и совершенное,— так можно охарактеризовать художественные качества Квартета имени Глинки» («Народна култура», София).<br />
<div>
<br /></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-59434042578763463292018-03-13T20:53:00.000+05:002018-03-13T21:00:30.948+05:00Отар Тактакишвили - Концерт № 2 для фортепиано с оркестром -Горные напевы- (1976)(Мелодия С10 08017-18)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-C3zmGUsylPE/WqfzRP2z7KI/AAAAAAAAAZs/ZVib9nR1o8gWraz8BtFG69FNTL41Rw_zgCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-C3zmGUsylPE/WqfzRP2z7KI/AAAAAAAAAZs/ZVib9nR1o8gWraz8BtFG69FNTL41Rw_zgCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
О. Тактакишвили (р. 1924)</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
I<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> сторона</div>
<div style="text-align: center;">
Концерт № 2 для фортепиано с оркестром -Горные напевы-</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
1.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Andante (8.24)</div>
<div style="text-align: center;">
2.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Allegro alia breve (9.07)</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Элисо Вирсаладзе </div>
<div style="text-align: center;">
Оркестр Большого театра СССР Дирижер Отар Тактакишвили</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
II<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> сторона</div>
<div style="text-align: center;">
Концертино для скрипки и малого оркестра</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
1.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Allegretto (6.11)</div>
<div style="text-align: center;">
2.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Andantino (6.48)</div>
<div style="text-align: center;">
3.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Vivo (6.20)</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Давид Ойстрах </div>
<div style="text-align: center;">
Большой симфонический оркестр Всесоюзного радио и телевидения </div>
<div style="text-align: center;">
Дирижер Отар Тактакишвили</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Звукорежиссеры: Ю. Кокжаян, Д Гаклин Редактор И. Чумакова</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/V9J4NILTl3s/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/V9J4NILTl3s?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
Народный артист СССР, лауреат Государственных премий Отар Васильевич Тактакишвили является одним из наиболее видных представителей советского музыкального искусства. Его композиторская, исполнительская и общественная деятельность вот уже тридцать лет связана с развитием музыки Грузии.<br />
Сочинения О. Тактакишвили давно вошли в музыкальную жизнь современности, заняли прочное место в концертном репертуаре, программах учебных заведений, обогатились интерпретациями выдающихся исполнителей. Высокий профессиональный уровень и широта кругозора позволили композитору проявить себя во многих жанрах и формах музыки — его перу принадлежат симфонии, оперы, симфонические поэмы, оратории и кантаты, инструментальные концерты, сольные и хоровые сочинения, музыка к кинофильмам и спектаклям. Эти произведения отличает новаторское претворение традиций многовекового прошлого, органически связанных с древним и самобытным фольклором Грузии.<br />
Центральная творческая тема композитора — тема созидания, охватывающая прекрасный и многообразный мир человеческих чувств и природы, величие исторического пути, пройденного народом. Поэтически раскрывается эта тема в Концертино для скрипки с оркестром в трех частях, написанном летом 1956 года. Гармоничность и одухотворенность эмоциональных состояний, созвучных щедрому весеннему пробуждению природы, передаются неповторимыми по естественности и красоте мелодиями, свежими ладотональными красками в очертаниях стройной, уравновешенной формы.<br />
Первая часть — Allegretto — изящная сонатина. Ее начинает неторопливая, широкого дыхания тема скрипки. Тембральные, гармонические, фактурные варианты последующих проведений главной партии неизменно завершаются одним и тем же кадансом, мягко «округляя» построения. Прихотливый орнаментальный узор побочной партии, исполненной тонкой грации, напоминает о характерных интонациях городской грузинской песни.<br />
Во второй части, Andantino, пленяет скромная, чуть грустная мелодия на фоне прозрачного аккомпанемента, острая ритмическая характерность которого вуалируется нежным звучанием арфы.<br />
Финал, Vivo, покоряет свободной импровизационной стихией танца, зажигательным вихрем движения. Несмотря на четкую структурную оформленность (рондо с двумя эпизодами), эта часть производит впечатление мгновенной импровизации. Рефрен увлекает неуемной энергией, живостью, напором молодых сил. Эпизоды вносят фактурные и<br />
образные контрасты. Первый — непринужденные веселые попевки, напоминающие народные инструментальные наигрыши. Второй —<br />
вначале нежная и одухотворенная, а затем патетическая тема из среднего раздела Andantino. Ее объединяющая, цементирующая роль подчеркивается сходством с интонациями главной темы первой части.<br />
Второй концерт для фортепиано с оркестром был написан в 1973 году. Программный подзаголовок «Горные напевы» свидетельствует о его близости интонациям глубинных пластов грузинской песни — крестьянской, горской. Необычный по форме (цикл состоит из двух частей), написанный быстрыми и острыми мазками, концерт является новым этапом в развитии жанра, в совершенствовании методов типизации содержания и драматургии. Связь с народно-песенными источниками обусловила демократизацию музыкального языка, рассчитанного на восприятие широкими массами слушателей, а также реализм музыкальных образов сочинения. В новом произведении проявилась зрелость симфонического письма композитора, умело сочетающего возможности камерно-инструментального и масштабно-оркестрового стиля. В соотношении соло и оркестра выделяются три принципа: равнозначность партий, диалогичность и состязание. Виртуозность сочетается здесь с глубиной и значительностью образов, лирической проникновенностью и высоким накалом драматизма.<br />
Первая часть, Andante, построена в виде диалога фортепиано и оркестра. Необычно уже начало: задумчивая одноголосная тема в низком регистре фортепиано, расцвеченная национальным орнаментом. Ей отвечают настойчиво повторяющиеся мелодические фразы фагота. Это поэтичная «заставка» концерта и в то же время мелодическое зерно, из которого вырастает весь тематизм сочинения. Мелодия варьируется фактурно, обрастает новыми тембрами, доводится до широких, щедрых кульминационных разливов, доходящих до страстного драматизма. Ярким контрастом отзвучавшей буре является одинокий, в первоначальном изложении, дуэт двух инструментов, обрамляющий повествование.<br />
Вторая часть, Allegro, открывается темой в басах фортепиано — мобильной, темпераментной, остро ритмизованной. В дальнейшем она появляется в ряде остроумных образных перевоплощений. Пластичная гибкость музыки определяется изобретательной полифонической разработкой, тонкой игрой ритмов, постоянным обновлением фактуры.<br />
Концерт предъявляет чрезвычайно высокие требования к исполнению. Это прежде всего относится к образной рельефности, национальной характерности эпизодов при строжайшей спаянности их логикой симфонического развития, а также к романтической приподнятости эмоционального выражения и впечатляющему блеску виртуозности.<br />
<br />
Е. Кулова</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1631484442122755534.post-51557810741681032502018-03-06T23:08:00.000+05:002018-03-06T23:17:11.675+05:00Юрий Александров - Восемь романсов для хора и симф. орк., фортепианные пьесы (1976)(Мелодия С10 08127-8)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-3GSzo9bjqoM/Wp7YmRQvOPI/AAAAAAAAAY8/fWN1KrBqW5w3v1dnOPs6JlkzH1GR7eOIgCLcBGAs/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-3GSzo9bjqoM/Wp7YmRQvOPI/AAAAAAAAAY8/fWN1KrBqW5w3v1dnOPs6JlkzH1GR7eOIgCLcBGAs/s320/fr.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Юрий Александров (р. 1914)</div>
<br />
I сторона<br />
Восемь романсов для хора и симфонического оркестра<br />
на слова М. Лермонтова<br />
1.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Сосна<br />
2.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Горные вершины<br />
3.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Утес<br />
4.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Могила бойца<br />
5.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Пир<br />
6.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Пан<br />
7.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Гроза<br />
8.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Парус<br />
<br />
Большой хор и оркестр Всесоюзного радио и телевидения<br />
Художественный руководитель К. Птица<br />
Дирижер М. Шостакович<br />
<br />
II сторона<br />
Токката<br />
<br />
Т. Рубина - фортепиано<br />
<br />
Фортепианный цикл «Песня в лесу»<br />
1.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Маленькая увертюра<br />
2.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Песня в лесу<br />
3.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Холодно и сыро<br />
4.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Капли на листьях<br />
5.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Белочка<br />
6.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Канцонетта<br />
7.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Этюд<br />
8.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Молдавский танец<br />
9.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Мотя<br />
10.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Вальс<br />
11.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Менуэт<br />
12.<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span> Джигит<br />
<br />
Т. Барановская (1, 3, 6, 7)<br />
Ю. Муравлев (2, 4, 5, 8, 10)<br />
Т. Вишнякова (9, 11, 12)<br />
<br />
Запись из концертного зала<br />
Оператор Т. Павлова. Редактор И. Орлова<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/eniDxOlYw1M/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/eniDxOlYw1M?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
Юрий Михайлович Александров принадлежит к поколению композиторов, заявивших о себе первыми значительными произведениями в военные и первые послевоенные годы. Он родился 1 сентября 1914 года в Ташкенте, начальное музыкальное образование получил в Москве, где в юности учился в музыкальном училище при Московской консерватории по двум специальностям — фортепиано и композиции. Но музыку как профессию юноша выбрал не сразу и параллельно учился в строительном техникуме, после окончания, которого работал несколько лет техником на стройках Москвы. Лишь в 1937 году поступил Юрий Александров в Московскую консерваторию, где его учителями по композиции были Г. И. Литинский и В. Я. Шебалин.<br />
Круг творческих интересов Ю. Александрова весьма широк, композитором созданы произведения самых различных жанров. Здесь немало крупных полотен: симфония-кантата «Кавказ» (стихи Сулеймана Стальского; посвящена памяти героев — участников боев за освобождение Кавказа в годы Великой Отечественной войны), кантата «Песнь о родной земле» (стихи А. Досталя), симфоническая поэма «Памяти Циолковского», два произведения, посвященных памяти В. И. Ленина: симфоническая поэма «У мавзолея» и хоровой цикл «Мавзолей» (десять поэм на стихи советских поэтов). Среди многих песен и романсов Ю. Александрова выделяются два цикла, созданные еще в годы Великой Отечественной войны: «Ленинграду» (песни на стихи А. Прокофьева) и «Бессмертье» (романсы на стихи А. Суркова). Большой популярностью пользуется балет Юрия Александрова «Белеет парус одинокий» (по одноименной повести В. Катаева; с 1970 года идет на сцене московского театра им. Станиславского и Немировича-Данченко), принадлежащий к числу значительных достижений композитора.<br />
В своих вокально-хоровых произведениях Юрий Александров использовал стихи многих поэтов, но особое тяготение проявляет к поэзии Лермонтова. Одна из больших творческих удач композитора — цикл «Восемь романсов для смешанного хора и симфонического оркестра на стихи М. Ю. Лермонтова», созданный в 1966 году. Необычное для хоровой музыки жанровое определение «романс» объясняется камерными масштабами и характером музыки этих миниатюр. Юрий Александров отобрал из лермонтовской лирики восемь стихотворений, в большинстве своем посвященных «байроническим» мотивам одиночества человека, романтической теме «человек и природа».<br />
Четыре из отобранных стихотворений — «Сосна» (у Лермонтова это стихотворение - вольный перевод из Генриха Гейне — не озаглавлено), «Горные вершины» (лермонтовское название - «Из Гёте», вольный перевод стихотворения Гёте «Ночная песнь странника»), «Утес» и «Парус» — были уже неоднократно положены на музыку, что поставило перед композитором особую задачу: отрешиться от общеизвестных музыкальных воплощений столь популярных стихов и найти свое оригинальное решение, свой образный строй. Интересно, что основная тема романса «Парус» (начальная мелодия на слова «Белеет парус одинокий») та же, что и лейтмотив «паруса одинокого» в одноименном балете, но в соответствующей хоровой переработке.<br />
В четырех названных романсах хоровая партитура разработана весьма детально, причем хор чаще всего трактован как единый инструмент, хотя композитор пользуется также приемами полифонической разработки голосов либо их контрастного противопоставления, как, например, в романсе «Утес», где первый куплет («Ночевала тучка золотая на груди утеса великана») поют сопрано и тенора, а второй («Но остался влажный след в морщине старого утеса») — басы. Развернутых оркестровых эпизодов в этих четырех романсах нет, что также говорит о их камерности, но роль оркестра отнюдь не только аккомпанирующая: многие детали оркестровой партитуры, тонкие приемы инструментальной изобразительности и красочности принимают действенное участие, совместно с приемами хоровой выразительности, в создании рельефных музыкальных образов.<br />
К четырем названным романсам примыкает и романс «Гроза» (здесь композитором использованы два стихотворения Лермонтова, родственные по содержанию), посвященный той же теме «человек и природа», однако музыка здесь более драматична, масштабы — развитые, а роль оркестра, живописующего грозу, более значительна.<br />
Два романса — «Пир» и «Пан» — посвящены другим лирическим мотивам: здесь воспеваются дружба и любовь, радость общения с природой и радость творчества. Несколько особняком стоит в цикле романс «Могила бойца» (у Лермонтова жанр этого стихотворения обозначен как «дума»; из семи его строф композитором использованы только пять), эпического характера, музыка которого отличается сурово-сдержанными чертами.<br />
В списке произведений Ю. Александрова значительное место занимают пьесы камерно-инструментальных жанров: струнный квартет, сонаты, поэмы, миниатюры для фортепиано, скрипки, виолончели, а также для арфы, валторны, трубы, гитары, домры.<br />
Фортепианная Токката, написанная в 1965 году, принадлежит к числу концертно-виртуозных произведений композитора. Как известно, в жанре токкаты чаще всего используется прием непрерывного движения; использован он и в Токкате Ю. Александрова. Но на непрерывную нить моторности в одних голосах нанизаны в других голосах аккорды и мелодии, подчиненные сложным, порой синкопированным ритмам и преобладающему «угловатому» пятидольному размеру. В сочетании с массивной, плотной фактурой и волнами динамических нарастаний и спадов это придает музыке черты активной импульсивности и «пружинистой» энергии.<br />
В ином ключе написаны пьесы детского альбома «Песня в лесу», созданного Ю. Александровым в 1970 году. Предназначенные для юных пианистов, они не отличаются технической трудностью, однако их музыкальный язык — вовсе не упрощенный и вполне современный. Здесь автор придерживается принципа, столь характерного для советской детской музыки: взрослые как бы разговаривают с детьми на доступном для них языке, но вполне серьезно. В образном строе изящных пьесок альбома ярко проявилось свойственное композитору мастерство лаконичного музыкального портрета, пейзажной зарисовки.<br />
Первая пьеса «Маленькая увертюра» — задает всему<br />
сборнику тон детской живости и непосредственности. Следующие четыре пьесы — это маленький цикл «лесных картинок»: «Песня в лесу» (она дала название всему альбому), «Холодно и сыро», «Капли на листьях» и «Белочка». Затем идут пьески концертного характера: «Концонетта» и «Этюд», а после них — маленькая танцевальная сюита: «Молдавский танец», изящная и оригинальная полька-гавот «Мотя» (эта музыка заимствована из балета «Белеет парус одинокий», где является танцевальной характеристикой одной из юных героинь: девочки Моти, сестры Гаврика), «Вальс» и «Менуэт». Последняя пьеса альбома — «Джигит», токкатно-моторного характера, — портрет смелого юного наездника.<br />
<br />
Л. Ауэрбах</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/17826468224187146993noreply@blogger.com0